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18º Festival de Teatro Clásico de Olmedo (julio 2024)

Del 19 al 28 de julio de 2024 tendrá lugar la decimoctava edición del Festival Olmedo Clásico, que programa una selección de trece espectáculos que se van a exhibir a lo largo de sus diez días de duración. La muestra se completa con las otras actividades que constituyen la esencia de Olmedo Clásico: las Jornadas sobre teatro clásico y el Curso de análisis e interpretación actoral. En la selección se han tenido en cuenta la calidad, pero también la variedad en cuanto a autores, géneros, épocas y territorios, así como de compañías y dramaturgias.

Por lo que se refiere a autores, Pedro Calderón de la Barca será el principal beneficiado este año, con cuatro espectáculos. Estos incluyen una de sus obras maestras, El alcalde de Zalamea, pero también otras nunca vistas en los escenarios actuales, como El castillo de Lindabridis y El sitio de Bredá, o las que componen el espectáculo Monstruos. El prodigio de los dioses. Tampoco el gran Lope de Vega faltará a la cita de este año, y lo hará con su cara más conocida, de la que es parte fundamental Fuenteovejuna, a la que dedicaremos la propuesta de «Versos esenciales» de esta edición; también La francesa Laura, que ha permanecido oculta hasta que muy recientemente la inteligencia artificial ayudó a descubrirla. Otros dos dramaturgos del Siglo de Oro acompañarán a los dos grandes: Juan Ruiz de Alarcón y Francisco Rojas Zorrilla. Ambos lo hacen con obras que no se han visto en los escenarios contemporáneos: La monja alférez, recuperada hace poco para el repertorio de Alarcón; y Los bandos de Verona, la particular historia de Romeo y Julieta dramatizada por Rojas.

Es uno de los empeños de esta edición hacer evidente la enorme riqueza de nuestro repertorio clásico, capaz de interpelar y divertir al espectador actual.

Contaremos también con espectáculos elaborados a partir de fuentes clásicas diversas, como Burro (con textos de Esopo, Apuleyo, Cervantes…) o Canciones del Siglo de Oro; también la ya apuntada de Monstruos. No faltará a la cita como cada año William Shakespeare, en esta ocasión con una peculiar versión de La comedia de los errores. Del panorama internacional contamos también con Las locuras por el veraneo de Carlo Goldoni.

La tragedia, el drama, la comedia: todos los géneros estarán representados. De darles vida se encargan algunas de las compañías punteras del clásico, con largas y exitosas trayectorias, asiduas visitantes del festival, como la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Fundación Siglo de Oro, Nao d’amores, Noviembre Teatro o Teatro Corsario. Al frente están directores tan consolidados como Eduardo Vasco, Ana Zamora, Yayo Cáceres o Jesús Peña, junto a quienes inician una trayectoria que se promete brillante, como David Boceta, Daniel Alonso de Santos o Marta Poveda.

PROGRAMACIÓN FESTIVAL OLMEDO CLÁSICO 2024

● 19 julio 23:00 h – El alcalde de Zalamea, de Calderón de la Barca, Teatro Corsario – Corrala del Palacio del Caballero

● 20 julio 23:00 h – Burro, Ay Teatro, sobre pasajes de Esopo, Apuleyo, Cervantes y otros – Corrala Palacio del Caballero

● 21 julio 23:00 h – El castillo de Lindabridis, de Calderón de la Barca, Nao d’amores – Corrala Palacio del Caballero

● 22 julio 18:00 h – El sitio de Bredá, de Calderón de la Barca, Instituto del Teatro de Madrid, Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 22 julio 22:30 h – La monja alférez, de Juan Ruiz de Alarcón, Teatro Círculo (Nueva York) – Corrala Palacio del Caballero

● 23 julio 19:00 h – Fuenteovejuna en sus versos esenciales, Olmedo Clásico – Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 23 julio 22:30 h – La francesa Laura, de Lope de Vega, Fundación Siglo de Oro – Corrala Palacio del Caballero

● 24 julio 19:00 h – Concierto Canciones del Siglo de Oro, por los británicos Auric – Centro de Artes Escénicas San Pedro

● 24 julio 22:30 h – Monstruos. El prodigio de los dioses, sobre textos de Calderón de la Barca, Prodigio Teatro – Corrala Palacio del Caballero

● 25 julio 22:30 h – Julio César, basada en textos y tradiciones sobre el político y militar romano, desde Plutarco a Shakespeare, Marmore/Chapitô (Portugal) – Corrala Palacio del Caballero

● 26 julio 23:00 h – Los bandos de Verona, de Francisco de Rojas Zorrilla, Saga Producciones y Secuencia 3 – Corrala Palacio del Caballero

● 27 julio 23:00 h – Las locuras por el veraneo, de Carlo Goldoni, Noviembre Teatro – Corrala Palacio del Caballero

● 28 julio 23:00 h – La comedia de los errores, de William Shakespeare, Pentación Espectáculos – Corrala Palacio del Caballero

Las 18 Jornadas sobre teatro clásico se celebrarán del lunes 22 al miércoles 24 de julio, bajo el lema «Y sin embargo, amigos: estudiar y representar a nuestros clásicos». Se proponen abordar las relaciones entre esos dos mundos que tan fructíferas han sido para la normalización de ese teatro. A ello se dedicarán sus doce sesiones, que incluyen espectáculos, recitales, presentaciones y diálogos entre miembros de las diferentes facetas implicadas en el clásico, con los espectadores en lugar privilegiado.

El 18 Curso de análisis e interpretación actoral «Fernando Urdiales» se impartirá del 25 al 27 de julio. El programa integra diferentes aspectos teóricos y prácticos del teatro clásico español (dramaturgia, dicción del verso, canto, danza e interpretación), además de proponer una puesta en escena sobre fragmentos de La traición en la amistad de María de Zayas.

También el teatro estará presente en la exposición de fotografías de Pío Baruque Fotógrafos, que recupera algunos de los grandes momentos vividos a lo largo de la trayectoria de Olmedo Clásico.

MÁS INFORMACIÓN:
Web Festival Olmedo Clásico
Programa completo festival

Exposición: Imperium. Historias romanas, en el Museu d’Arqueologia de Catalunya (MAC)

El pasado juves 16 de mayo el Museu d’Arqueologia de Catalunya inauguró la exposición Imperium. Historias romanas, que nos muestra qué fue y qué características políticas, económicas, sociales y culturales estructuraron la historia del Imperio romano, a partir de la presentación de más de 200 objetos de época romana y tardoantigua conservados en el Museo.

¿Qué fue el Imperio romano? ¿Cómo vivían sus habitantes? ¿Qué herencia nos ha dejado Roma? Descubre qué significa ser romano desde una mirada contemporánea.

La nueva exposición permanente del Museo de Arqueología de Catalunya, IMPERIVM. Historias romanas, es una guía hacia el descubrimiento de la civilización romana a través de las historias de diferentes habitantes del Imperio romano, de sus inquietudes y anhelos, que en primera persona expresan la experiencia de cómo se vivía en un mundo complejo y diverso, pero al mismo tiempo global e integrador.

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El contexto de estas historias romanas lo encontramos en los diferentes espacios de la exposición, que nos hablan de los ámbitos que conformaban la civilización y la cultura romanas, como los principios y manifestaciones del poder, las creencias, la estructura social, el ocio o el trabajo. A través de la presentación y el diálogo con los objetos y recursos de la exposición, el visitante puede captar la esencia de Roma, así como la proyección de su poder y su cultura, durante más de 700 años, por toda la Mediterráneo y Europa.

Las obras expuestas pertenecen a la colección romana del MAC, procedentes sobre todo de las ciudades romanas de Barcelona, ​​Tarragona y Empúries, pero también del resto de territorios por donde se extendió el poder del imperio.

Pensada para interesar y atraer a un amplio abanico de públicos, la exposición incorpora video mappings, vídeo inmersivo 360 grados y numerosos recursos audiovisuales de última generación, así como recursos accesibles y propone actividades culturales y educativas.

La exposición ha sido comisariada por Mario Cervera y Arturo de la Oliva, conservadores del MAC, y ha contado también con el apoyo de varios especialistas en la temática. Ocupa el primer piso y la galería del cuerpo central del museo, con cerca de 1.000 m². Se exponen más de doscientos objetos de época romana y tardoantigua conservados en el museo, algunos de los cuales constituyen verdaderos tesoros de la arqueología nacional y de la península Ibérica.

La muestra constituye el primer hito de un importante proceso de transformación museográfica del MAC, que se desarrollará durante los próximos tres años.

IMPERIVM. Historias romanas es la producción museográfica más ambiciosa que ha producido el MAC en los últimos años que te permitirá adentrarte en el mundo de la antigua Roma..

Exposición: IMPERIVM. Historias romanas
Espacio: Museu d’Arqueologia de Catalunya (MAC Barcelona)
Fechas: a partir del jueves 16 de mayo de 2024
Horarios, entradas y más información: Web MAC Barcelona

Crítica teatro: Michael’s Legacy, en el Teatre Poliorama

Un homenaje a la música de Michael Jackson siempre es una ocasión para celebrar. Revivir los grandes éxitos del Rey del pop no solo nos recuerda su música y su genialidad, sino también nuestra propia biografía vital, familiarmente acompañada por muchos de sus temas. Este es el objetivo del espectáculo Michael´s Legacy, estrenado el pasado sábado 15 de mayo en el Teatre Poliorama de Barcelona.

Michael´s Legacy es un show musical que repasa muchos de los temas de Jackson coreografiados por Ximo Jackson, el mejor Impersonator del rey del pop y los miembros de la Jackson Dance Company. En este apartado podremos revivir algunos de los hits de Jackson como, Billie Jean, Beat it, Bad, Smooth criminal, Heal the world, They don´t really care about us y la archifamosa Thriller, sin olvidar un breve recuerdo a la etapa de los Jackson Five.

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Michael´s Legacy es un espectáculo que apunta muy alto y que a veces consigue alcanzar su objetivo. La impersonificación de Jackson es sorprendentes. Respecto a la música uno se lo puede esperar. ¿Quién no ha vibrado con los temas del Rey del pop? ¿Quién no ha disfrutado con sus coreografías y videos, auténticos acontecimientos musicales? La caracterización de Ximo Jackson es casi perfecta, tanto es así que en varias ocasiones durante el espectáculo consigue mimetizar los pasos y las formas del cantante.

El show cuenta con música en directo de la mano de una pequeña banda de 4 miembros y de voces también en directo, acompañadas por un cuerpo de baile que ofrece el concepto de espectáculo que tenía el rey del pop en sus giras. Todo ello hace sentir al espectador que está disfrutando del «efecto Jackson». Sin embargo, aspectos como las coreografías, el vestuario, el acompañamiento audiovisual o la escenografía se quedan cortos para una propuesta que aspira a ser el «mejor espectáculo musical totalmente en directo sobre El Rey del Pop«.

Michael´s Legacy es un homenaje a la figura de uno de los cantantes más populares de la historia, muestra voluntad y empeño, pero le falta para ser un espectáculo redondo, aquel que puede quedarse en la memoria de todos los espectadores.

«Michael’s Legacy» se representa en el Teatre Poliroama del 15 al 26 de mayo de 2024.

Grupo artístico: Jackson Dance Company
Cantantes: Alejandro Trinidad y Amanda de la Mano
Músicos:
Teclista y Director Musical: Samuel Gil
Bajista: Diego Barbera
Guitarra: Javi Navarro
Batería: Víctor Llorens
Cuerpo de baile: Edgar Solaz, Adrián López, Enrique Enguidanos, Nuria Carreras, Jessica Carreras, Lidia Garrido, Antonella, Boria, María Buges, Laia Navarro, Arantxa Carbonell, Marta Castillo, Lucas Darás
Dirección musical: Nuria Carreras, Ximo Fillol
Coreografía: Nuria Carreras

Horarios: miércoles y jueves a las 20:00 horas, viernes a las 20:30 horas; sábados a las 17:00 y a las 20:00 horas y domingos a las 18:30 horas
Precio: A partir de 15,50€
Duración: 115 minutos
NOTA CULTURALIA: 7
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Jorge Pisa

Crítica teatro: Els criminals, en el TNC

Una de las escenas del Senado de La caída del Imperio romano (Anthony Mann, 1964), la mejor escena de Senado romano que yo recuerdo, trata el por qué de la muerte de un Imperio (léase un Estado). Uno de los senadores defiende que los Estados no caen en un momento determinado y por una única causa, sino cuando el pueblo pierde la fe en él. Esta reflexión sirve a la perfección para presentar Els criminals, obra de teatro de Ferdinand Bruckner que se representa hasta el 26 de mayo en el TNC.

«Els criminals nos interpela sobre qué grado de criminalidad estamos dispuestos a asumir y sobre qué encontramos justo y qué no.
Una retahíla de personajes que comparten edificio han cometido una serie de delitos que pondrán al descubierto los errores de la justicia y los límites de las administraciones con el uso y el abuso del poder.

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La propuesta versionada por Jordi Prat i Coll está, sin duda, a la altura de la dramaturgia del TNC. El público se encontrará con una obra que le hará reflexionar sobre qué es el crimen, qué es la justicia y como se dirige hacia el abismo un país cualquiera, en este caso la República de Weimar. Y lo hace de una forma imponente, con una obra coral en la que seremos testigos del comportamiento de diversas personas que viven el mismo bloque, cada uno de ellos con sus problemas y sus circunstancias, haciendo frente al momento de la mejor forma que saben, y esto incluye el aborto, delitos de libertad sexual, la pena de muerte, la corrupción e, incluso, la arbitrariedad de la justicia. De ahí que la obra de Bruckner nos permita considerar en última instancia, cuál es la substancia de la ley y de la justicia.

La representación está plagada de momento notables en los que los actores y las actrices dejan de lado la cordura para mostrarnos los signos sociales de una época. Sus interpretaciones nos llegarán a helar la sangre al ser testigos de la corrupción moral que les afecta a todos, los que están a un lado de la justicia y los que están al otro.

El reparto integrado por Eric Balbàs, Joan Carreras, Jan D. Casablancas, Carme Milán, Neus Pàmies, Cristina Plazas, Maria Rodríguez Soto, Carles Roig, Maria Santallusia, Kathy Sey, Lluís Soler, Marc Tarrida Aribau, Guillem Valverde está a la altura de las circunstancias en una representación en la que la dramaturgia de Bruckner y su esbozo del final de una época está enriquecida por la afilada visión dramática de Jordi Prat i Coll, que sabe sacarle jugo al texto conectándolo a la realidad política actual en Occidente.

Por último, pero no por ello menos destacado, tengo que hacer referencia de nuevo a la escenografía de Els criminals, obra de Laura Clos, que nos mostrará en diversas escenas el interior del bloque de vecinos; la sala de justicia, en la que Lluís Soler destaca por su clarividente actuación, y el cabaret de jazz donde podremos contemplar el fatal destino de los protagonistas y, simbólicamente, el de la sociedad a la que representan.

Una obra de aquellas que os harán pensar sobre qué fuerza a una persona a cometer un crimen, sobre qué principios se construye la justicia y sobre el futuro de la democracia. Unos temas, como ya veis, de vivísima actualidad.

«Els criminals» se representa del en el TNC del 18 de abril al 26 de mayo de 2024

Crítica teatro: Ifigènia, en el Teatre Lliure

Sí, de nuevo un clásico y en esta ocasión un clásico griego. Y ¿qué es lo que tienen los clásicos que nos permiten, al representarlos sobre un escenario, reflexionar sobre nuestro mundo actual? ¿Qué sabiduría reside en ellos para hacerlos imperecederos? ¿Qué los hace tan fundamentales para que el Teatre Lliure programe una nueva versión de Ifigènia de Eurípides, dirigida en esta ocasión por Alícia Gorina e interpretada por Pere Arquillué, Emma Vilarasau y Albert Pérez?

«A partir de las piezas Ifigenia en Áulide e Ifigenia entre los tauros de Eurípides, Alícia Gorina lanza una mirada humanista, crítica e irónica a esta figura mítica entre el orden y la rebelión, y al valor sagrado del sacrificio en la tragedia clásica».

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La Ifigènia de Alícia Gorina pretende hacernos reflexionar sobre la violencia, en este caso sobre la violencia ejercida contra las mujeres, en un contexto, el actual, en el que vemos, por desgracia, sus trágicos efectos cada día en las noticias. La obra nos plantea, en la mano de Eurípides, el dilema que provoca en la familia de Agamenón de Micenas, el líder de la campaña militar de los griegos contra Troya, el sacrificio que la diosa Artemis exige de su hija Ifigenia para permitir que zarpe la flota aquea. ¿Qué ha de hacer un padre, qué ha de hacer un rey si el futuro de su reino e incluso su vida y la de los miembros de su familia, depende de la muerte de su propia hija? ¿Qué decisión es la correcta? ¿Cuál es la decisión más humana?

Para recrear el momento Gorina ha reunido dos obras de Eurípides, Ifigenia en Áulide e Ifigenia entre los tauros con la que nos narra dos etapas clave de la tragedia. En una primera parte, más teatralmente estructurada, se nos presenta la clave del problema, las consecuencias que provoca en la familia de Agamenón la funesta exigencia de la diosa Artemis. En la segunda parte de la representación, mucho más onírica, seremos testigos de las trágicas consecuencias que provoca la decisión de Agamenón que afectarán a las vidas de los integrantes de su familia, a Clitemnestra, Ifigenia, Orestes y a él mismo.

Gorina pretende, así, meditar, como decía antes, sobre la violencia ejercida contra las mujeres y sus fatales consecuencias para la persona, la familia y para la sociedad en sí, incapaz de eliminar una lacra que envilece los cimientos mismos de la colectividad en la que vivimos.

Aunque el objetivo es lícito y necesario, la estrategia escénica no siempre es la más acertada. Gorina ha optado por un escenario vacío que nos muestra la arena de la playa donde está varada la flota y el ejército aqueo, sin proveer al espectador de elementos escénicos con los que delimitar la acción que se representa. Esta, sin embargo, nos será indicada por un coro de cinco jóvenes, que recrean, acertadamente, las formas del teatro griego clásico. Y si bien la primera parte de la representación, el debate sobre el sacrifico de Ifigenia, se plantea de forma comprensible, aunque con algo de falta de ritmo, la segunda parte de la obra avanza de una forma aturdida, en la que la duplicidad de personajes interpretados por los mismos actores y la falta de elementos de acompañamiento escénico, pueden dificultar el seguimiento de la trama por parte del público. Por el contrario el esfuerzo interpretativo del reparto con Arquillué, sobre todo, y Vilarasau a la cabeza, consiguen impactar al espectador con imágenes y secuencias que pueden llegan a helar la sangre.

La Ifigènia de Gorina es una propuesta que no deja indiferente por la temática que toca, por el formato escénico escogido, por la presencia de un coro que nos retrotrae a la antigua Grecia y por las actuaciones del reparto principal (y del coro) y que nos permite examinar desde los cimientos de nuestra propia esencia cultural un problema que, de una forma u otra, nos afecta a todas y a todos.

«Ifigènia» se representa en el Teatre Lliure (Montjuïc) del 24 de abril al 2 de junio de 2024.

Adaptación: Albert Arribas
Dirección: Alícia Gorina
Reparto: Pere Arquillué, Emma Vilarasau, Pau Vinyals, Marta Ossó,
Albert Pérez, Cèlia Castellano, Daniela Fumadó, Júlia Genís, Laura Roig y Neus Soler
Espacio escénico: Sílvia Delagneau y Josep Iglesias
Vestuario: Adriana Parra
Caracterización: Júlia Ramírez
Iluminación: Raimon Rius
Música original y espacio sonoro: Arnau Vallvé
Producción: Teatre Lliure

Horarios: de martes a sábado a las 19.00 horas;
domingos a las 18.00 horas
● 28/05 no hay función
Duración: 2 horas y 10 minutos
Idioma: catalán
● Sobretítulos en castellano e inglés todos los sábados a partir del 04/05 (visibilidad a partir de la fila 8)
Precio: 11 – 32€
NOTA CULTURALIA: 7,5

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Jorge Pisa

Crítica teatro: Casa Calores, en la Sala Beckett

El paso del tiempo es seguramente una de las cuestiones que más abruman al ser humano. Las consecuencias de las decisiones que tomamos en la vida y el gradual abandono de la juventud nos afectan, de una forma u otra, a todos. Casa Calores, estrenada el pasado 10 de abril en la Sala Beckett, nos plantea una reflexión sobre ello, con una propuesta escrita y dirigida por Pere Riera e interpretada, entre otros, por Rosa Renom y Jordi Boixaderas.

“Los veranos son estaciones preciadas. Dicen que la juventud es la más preciada de las etapas vitales. Y cuando eres joven, una de las mejores cosas que te pueden pasar, es vivir los veranos cerca del mar. Si, encima, has nacido en un pueblo con barcas y espigón, es posible que todos los veranos de tu juventud estén amarados de un recuerdo cálido y salobre. En Casa Calores pasan los años, las macetas se marchitan y la ropa deja de mecerse en los tendederos. Los mayores que sobreviven, se hacen viejos; y los jóvenes que no ven la hora de crecer de una vez, intentan poner freno al inexorable paso del tiempo. Un tiempo que los enfrenta al más preciado de los peligros: el pasado”

La Beckett nos presenta una reflexión sobre la vida que seguro nos tocará la fibra emocional. Quien no recuerda los veranos de su juventud, asociados a los disfrutes del periodo estival y, sobre todo, a las amistades que, en aquellos momentos, parecían imperecederas. Riera, pues, juega con las emociones escénicas para tejer un texto sobre la memoria que, seguro, nos permitirá realizar un viaje por nuestros más preciados recuerdos de la infancia y la juventud.

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La trama de la obra nos sitúa en una localidad cerca del mar en verano. En ella se condesa la vida de sus habitantes como las gotas de sudor cuando hace mucho calor. La existencia se reduce a un ciclo diario de actividades pocas veces interrumpido. Riera nos muestra el día a día de un grupo de jóvenes amigos, Emma Arquillué, Júlia Bonjoch, Arnau Comas y Eudald Font que han alcanzado aquel momento de la vida en el que se está abandonando la infancia y se aproxima a la época adulta. Muchos son los cambios que se producen, poco a poco, en los cuerpos y en las personas, y también son muchas las decisiones que se han de tomar y que marcarán, sin duda la vida adulta.

En Casa Calores la presencia de los adultos, en este caso Jordi Boixaderas y Rosa Renom, también es importante. Las elecciones tomadas a lo largo de la vida, acertadas o no, también han marcado su presente, y nos dejan claro que el drama del paso del tiempo y las elecciones vitales marcan la existencia de todos, los personajes de la obra y, también, del público asistente.

Riera ha creado una pequeña joya teatral que nos hará recordar, nos hará pensar y nos hará disfrutar en partes iguales a todos. Como escenario una azotea en la que trascurre, a través de diversas escenas, la vida de todos los personajes y que nos permiten ser conscientes del paso del tiempo. Los primeros amores, las primeras decisiones sobre el futuro, la importancia de la familia, las primeras decepciones…

Algunas escenas protagonizadas por los personajes más jóvenes que se concatenan con otras interpretadas por los personajes más adultos vinculados a la Casa Calores, una terraza condenada a desparecer con el tiempo, como el tiempo hace desaparecer la infancia y la juventud y nos enfrenta a las vidas que, en gran medida, escogemos vivir.

La propuesta de Riera y la Beckett no defrauda, no nos quiere convencer con finales felices o con finales redondos, tan solo intenta mostrar, poéticamente diría yo, la vida, y nos intenta conmover a través de la memoria, a través del recuerdo de lo que fuimos cuando aún no éramos lo que somos ahora.

Solo por eso, pero por mucho más, vale la pena ver Casa Calores, por contemplar el escenario-azotea donde se desarrolla la acción, por asistir a un ejemplo más del drama vital humano y para disfrutar de una historia que, seguro, nos toca a todos y nos recuerda que el pasado y la juventud no es nada más ni nada menos que una burbuja repleta de posibilidades y de sueños, que de una forma u otra, han marcado nuestra existencia. El pasado, siempre el pasado.

«Casa Calores» se representa en la Sala Beckett del 10 de abril al 19 de mayo de 2024

Autoría y dirección: Pere Riera
Reparto: Emma Arquillué, Jordi Boixaderas, Júlia Bonjoch, Arnau Comas, Eudald Font y Rosa Renom
Voz en off: Pablo Derqui
Escenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: Guillem Gelabert
Sonido: Jordi Bonet
Vestuario: Marian Coromina
Caracterización: Clàudia Abbad
Producción: Sala Beckett

Horario: De miércoles a sábado, 20 h y Domingo, 18:30 h
Duración:1 hora y 40 minutos
Espacio: Sala de baix
Precio: de 11 € a 22 €
Idioma: catalán
NOTA CULTURALIA: 9,5
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Jorge Pisa

Feliz Día del Libro 2024!! Feliz Sant Jordi 2024!!

De nuevo, y como cada año, como ya sabéis, regresa el día del libro!! Un día muy especial dedicado a la cultura y especialmente a la lectura.

Sant Jordi 2024

Puede que llueva, es posible, pero aún así vale la pena salir y recorrer las principales calles de vuestra ciudad y encontrar la rosa y el libro perfectos. Mañana ya será tarde!!

— «Los libros tienen un alma que comparten contigo cada vez que los lees»

Crítica teatro: Salomé, en el Teatre Goya

Es lícito y hasta necesario llevar a cabo reinterpretaciones del pasado, ya sea de periodos de la historia o de personajes históricos en concreto. De ello el teatro da buena cuenta con propuestas que analizan la historia y, más importante aún, popularizan personajes o etapas históricas. Este es el caso de Salomé, obra estrenada el año pasado en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, y que se representó del 19 al 24 de marzo en el teatre Goya de Barcelona, con dirección de Magui Miras y en la que Belén Rueda dio vida a uno de los personajes más desdeñados de la historia bíblica.

“En los primeros años del Siglo I de nuestra Era, los romanos dominan las tierras que rodean el Mediterráneo. Colocan monarcas que gobiernan a sus gentes. Llegan a Judea. Y allí una princesa, Salomé, apoya en secreto a los rebeldes que resisten al gobierno del Rey Herodes, ese títere corrupto nombrado por Roma. Un hombre sin moral que gobierna sin ley.

Juan el Bautista, líder espiritual de su pueblo, grita contra el invasor y se descarna cautivo en la prisión del Palacio de Herodes. Da la vida por un Tiempo Nuevo. Es un Profeta. Dice que la esperanza es el aliento de todos los sueños. Y enciende el deseo de la princesa. Salomé, perdida en la cabeza de su amado Juan el Bautista, sufre. Rechazada por él se transforma en una mujer sangrante. Salomé, expresión del Poder Sensual Absoluto, extrema su deseo por el Bautista. Un deseo que se desborda en muerte”.

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La versión de Magüi Mira es una propuesta arriesgada, ya que se basa en la biografía de una figura maltratada por la tradición y caracterizada por esa pulsión femenina hacia el deseo y la destrucción, asignada a las mujeres en otras épocas. Pero la obra se inserta en la tendencia que redefine o reinterpreta al personaje y el periodo con los ojos de la modernidad, tan alejada del propósito original del texto bíblico.

Asistimos, pues, a una obra que aúna una representación dramática con toques cómicos e, incluso, con ingredientes de musical, de la mano de Pablo Puyol, que da vida a Juan el Bautista, el foco de atención de Salomé en el episodio bíblico. Mira se propone deconstruir el personaje tal como nos ha llegado en la tradición y darle un toque más actual que le permita ser mejor comprendido por el público del siglo XXI.

La propuesta lo consigue por momentos, ya que sus diversos ingredientes, drama, comedia y musical, rompen lo que podría ser una representación más lineal. La clave de todo está en la reinterpretación de la historia y en la lectura que se hace de ella.

Salomé se representa en un único escenario minimalista que se transforma en los diversos espacios que requiere la obra, como si fuera el papiro en blanco en el que se escribe la Biblia. Por él pasarán reyes, reinas, princesas, profetas, agoreros, dioses y soldados.

En lo que respecta a la interpretación, el peso principal lo lleva a cabo Belén Rueda, que se esfuerza en darle a Salomé una credibilidad escénica más allá de la simbología femenina que le atribuye la Biblia. Así Salomé se transforma en una mujer independiente y seguidora del nuevo mundo por el que lucha Juan el Bautista. Solo el rechazo de este provocará el final trágico de la historia y de la misma Salomé. Rueda está acompañada de un reparto a la altura, en el que destacan Luisa Martín como Herodías y Juan Fernández como el débil y malévolo Herodes, que representan con nota el fondo de disolución moral que tanto critica la Biblia. Pablo Puyol está acertado en su interpretación del Bautista, en el que hayamos los principios y la convicción propia del personaje. La obra incorpora a Sergio Mur que encarna a la divinidad que nos relatará en parte la historia y que da a la representación los toques más poéticos.

Salomé, sin embargo, pierde integridad y realismo en su voluntad de re-interpretar un personaje, símbolo bíblico del poder y del deseo sexual femenino, la voluntad del cual queda significativamente alterada por la visión transformadora de la actualidad. Algo, por otra parte, muy habitual en los tiempo que vivimos, que gusta de revisionar a los personajes históricos dotándoles de voluntades y puntos de vista sin duda espurios, más propios del siglo XXI que de los tiempos a los que pertenecen.

Si exceptuamos este último elemento de valor histórico y religioso, aún siendo conscientes de su importancia, Salomé es una oportunidad de acercarnos a una representación de carácter bíblico con una alta calidad de producción y con una interpretación coral que no nos defraudará, que nos permitirá reflexionar sobre el cambio que se está produciendo en los roles femeninos, en los que las reivindicaciones de igualdad y empoderamiento del movimiento feminista están consiguiendo, poco a poco, crear un espacio de equidad necesario en cualquier sociedad que pretenda ser democrática.

“Salomé” se representa en el Teatre Goya del 19 al 24 de marzo de 2024

Texto y dirección: Magüi Mira
Composición musical: Marc Álvarez
Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y Jose de la Torre
Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañan (Estudio deDos AAEE)
Diseño de vestuario: Helena Sanchis
Iluminación: José Manuel Guerra
Producción: Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos

Horarios y precios: Web teatre Goya
Idioma: castellano
Duración: 90 minutos
NOTA CULTURALIA: 6

Exposición: Tesoros reales. Obras maestras del Terra Sancta Museum, en el Museo Centro Gaiás (Satiago de Compostela)

El Museo Centro Gaiás exhibe la exposición Tesoros Reales. Obras maestras del Terra Sancta Museum, una exposición internacional que acerca a Santiago de Compostela el extraordinario y poco conocido tesoro artístico del Terra Sancta Museum de Jerusalén, compuesto de donaciones de las monarquías católicas europeas a lo largo de 500 años. Será la primera vez y única que estas piezas procedentes de Jerusalén se puedan ver en España, exhibiéndose en el Gaiás entre el 22 de marzo y el 4 de agosto de 2024.

A lo largo de medio milenio, las casas reales europeas donaron recursos materiales y financieros así como suntuosas piezas de arte sacro a la Basílica del Santo Sepulcro en Jerusalén, lugar de profunda simbología espiritual e importante centro de proyección de la devoción y del poder de los reyes y príncipes católicos.

Teniendo como eje central estas donaciones, la exposición muestra parte de este tesoro artístico, compuesto por valiosos objetos religiosos, cálices, joyas, códices, ornamentos, vestiduras sagradas de rara manufactura… Piezas únicas de incalculable valor que fueron custodiadas durante más de 800 años, desde la llegada de los franciscanos a Palestina, pero que raramente han podido ser vistas por el gran público. La muestra permite también recorrer la historia de la Basílica del Santo Sepulcro y el papel de la Custodia de Tierra Santa, la comunidad de frailes de la Orden de San Francisco que se asume como guardiana de este singular patrimonio arqueológico, artístico y litúrgico.

Tesoros reales_ Obras maestras del Terra Sancta Museum_1

En su estancia en Galicia, la exposición se completa también con piezas arqueológicas, pictóricas y otras obras singulares de instituciones gallegas como el Museo de las Peregrinaciones o el Convento de San Francisco de Santiago de Compostela, y también de fuera de Galicia como el propio Museo Calouste Gulbenkian. El proyecto se acerca así al nexo que une grandes ciudades de peregrinación como son Jerusalén y Santiago de Compostela.

Tras su paso por Compostela, la muestra viajará a otros dos destinos internacionales aún por anunciar, en Europa y Estados Unidos. Posteriormente, estas obras compondrán el núcleo de la colección histórica del Terra Sancta Museum, que prevé abrir sus puertas al público en la ciudad vieja de Jerusalén.

El proyecto del Terra Sancta Museum nació con la voluntad de dar mayor visibilidad a la historia de la presencia cristiana en Tierra Santa y como un lugar de encuentro y diálogo entre distintas religiones. Consta de un núcleo arqueológico en el Convento de la Flagelación, donde ya exhibe sus colecciones, y de un núcleo histórico-artístico, que mostrará el Tesoro del Santo Sepulcro así como colecciones de arte cristiano oriental en el convento de San Salvador en Jerusalén.

COMISARIADO INTERNACIONAL

● Jacques Charles-Gaffiot | Historiador del arte, autor e integrante del Comité Científico del Terra Sancta Museum.
● André das Neves Afonso | Conservador de las colecciones de Orfebrería y Joyería del Museo Calouste Gulbenkian en Lisboa.

COMISARIADO LOCAL [comisarios ejecutivos]

● Esperanza Gigirey Liste | Directora del Museo de las Peregrinaciones y de Santiago.
●Juan Manuel Buján | Ministro provincial de la orden de los franciscanos en Santiago de Compostela.

Exposición: Tesoros Reales. Obras maestras del Terra Sancta Museum

Localización: Museo Centro Gaiás
Fecha de inicio: 22/03/2024
Fecha de fin: 04/08/2024
Horario: De martes a domingo | De 10 a 20 h
Organiza:
● Xunta de Galicia
● Fundación Cidade da Cultura
● Fundación Gulbenkian
● Custodia de Terra Santa

Novela histórica: El rey morirá en Sevilla, de Juan Cartaya Baños, ed. Almuzara

El rey morira en Sevilla_portada

La editorial Almuzara publica El rey morirá en Sevilla, de Juan Cartaya, una intriga en la Sevilla del siglo XVI que puede acabar con la vida del rey Felipe II.

Sevilla, 1570. Con el trasfondo de la guerra de las Alpujarras, el rey Felipe II se dispone a visitar la ciudad, en donde hará una entrada solemne que los humanistas sevillanos desean equiparar a los triunfos de la antigüedad. Pero una conjura urdida por los rebeldes granadinos, apoyados por el sultán Selim II, amenaza su vida: sus enemigos tratan de impedir que se configure la Liga Santa que podría derrotarles en el Mediterráneo, y preparan un atentado que acabe con el monarca.

Unos días antes de la llegada del rey, el cadáver torturado de un joven es encontrado en el río: el jurado Fernando de Medina y el clérigo Francisco Pacheco deberán resolver el asesinato por orden del asistente de la ciudad. Pero las cosas no son lo que parecen, y el crimen se solapa con una conspiración que, a menos que ambos lo impidan, podría lograr la muerte de Felipe II. ¿Conseguirán los dos pesquisidores evitar el atentado que pretende eliminar a la cabeza de la monarquía?

¿Quién está detrás de la conjura para matar a Felipe II en Sevilla?

Y el marco de todos estos hechos es Sevilla, una ciudad que se percibe a lo largo de estas páginas como la capital del mundo que fue durante el siglo XVI: asistiremos a la entrada del rey en una ciudad rica y poderosa; pero también conoceremos sus bajos fondos, sus crímenes y sus pasiones, sus calles y sus gentes. Una ciudad como nunca la habíamos visto hasta ahora surge ante nosotros tal y como fue en el momento de su mayor esplendor.

Juan Cartaya

Juan Cartaya Baños es Doctor en Historia Moderna y Licenciado en Historia del Arte. Es miembro de la Real Academia Matritense de Heráldica y Genealogía, Academias Andaluza de la Historia, Sevillana de Gastronomía y Turismo y Belgo-Espagnole d`Histoire. Dentro del grupo de investigación del PAIDI de la Universidad de Sevilla HUM202, su línea de trabajo es el estudio de las élites sevillanas en los siglos XVI y XVII.

Autor de «Para ejercitar la maestría de los caballos. La nobleza sevillana y la fundación de la Real Maestranza de Caballería en 1670» (2012); “Mayorazgos: Riqueza, nobleza y posteridad en la Sevilla del siglo XVI” (2018); “La nobleza de las letras: don Diego Ortiz de Zúñiga, un historiador en la Sevilla del Seiscientos” (2021); o «La pasión de don Fernando de Añasco: limpieza de sangre y conflicto social en la Sevilla de los Siglos de Oro» (2014) Mantiene el blog temático «ARISTOCRACIAS.

Título: El rey morirá en Sevilla
Autor: Juan Cartaya Baños
ISBN: 978-84-11314-75-6
Páginas: 400
Tamaño: 15 x 23 cm
Encuadernación: rústica con solapas
Publicación: 05/05/2023
Colección: Novela Histórica
Temáticas: novela histórica
Precio: 21,95 €