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Crítica teatral: De Carmen (Ballant a la sorra), en el teatro Goya.


Es algo normal que acercándose el centenario del nacimiento de Carmen Amaya, la ciudad de Barcelona se engalane con sus ropajes y escenarios más flamencos para conmemorar la figura de una de sus bailaoras más reconocidas, y más si cabe si la artista nació en el barrio de barracas de Somorrrostro, construido sobre las arenas de la playa de la ciudad condal.

De esta forma, el Festival Grec de Barcelona inició su homenaje a la artista con la producción, de la mano de Trànsit Dansa, del espectáculo De Carmen (Ballant a la sorra), representado los días 4 y 5 de julio, y que ahora el Teatre Goya programa del 3 de agosto al 2 de septiembre en el marco del Festival Dansalona.

De Carmen (Ballant a la sorra) nos propone un recorrido onírico a través de la vida y el baile de Carmen Amaya. Para ello se ha construido un escenario que representa, en parte, la playa y el mar que la vio nacer, y donde tiene cabida el espacio de danza para los bailarines y un rincón para los músicos. Sobre esta escenografía creada por Quim Roy, se desarrollará el espectáculo, una combinación de flamenco, danza contemporánea y música, especialmente compuesta para la obra por Juan Gómez “Chicuelo”, junto a la formación Taller de Músics.

Un viaje onírico construido a través de los compases más actuales y estilizados de los miembros de Trànsit Dansa y del arraigo, la potencia y la ferocidad del flamenco que la bailaora catalana Cristina Chacón ha materializado bajo la dirección de la coreógrafa Maria Rovira. Toda una suma de talentos, a los que hay que añadir el trabajo de Victòria Szpunberg que ha creado el nudo argumental del espectáculo, y el vestuario diseñado por el escenógrafo y figurinista Ramon Ivars, que ha reinterpretado los atuendos originales de Carmen Amaya.

Todo ello, como en una reacción donde cada uno de los elementos están dispuestos de forma correcta, dan como resultado un espectáculo bello y equilibrado, en el que son protagonistas el baile y la música. El desarrollo del espectáculo está muy bien cuidado e incluye algunas de las más bellas coreografías que ha visto el que estas líneas escribe. En concreto la coreografía en la que un juego de banquetas permiten a Chacón realizar su baile de forma alzada y, sobre todo, la coreografía en la que los once bailarines del espectáculo se juntan para convertirse en la cola del vestido de la bailaora provocando un efecto maravilloso y fantástico en el espectador.

Pero es que en general el espectáculo desprende una belleza esplendorosa a lo largo de sus 70 minutos de duración. Una escenografía minimalista que evoca aquella también creada por Trànsit Dansa para el espectáculo Somorrostro, que se representó el año pasado en el Teatre Romea más o menos por las misma épocas. Unos pases y coreografías de baile y danza que hacen mella en el público y una música que une, también, lo moderno con lo flamenco, todo ello combinado para que Cristina Chacón y los bailarines que la acompañan puedan ejecutar algunos de los pasos más característicos de Amaya y convertirse, así, en un homenaje al arte y a la vida de una bailaora que logró alzarse como uno de los grandes mitos del baile flamenco.

«De Carmen (Ballant a la sorra)» se representa en el Teatre Goya del 3 de agosto al 2 de septiembre de 2012.

Creación y dirección: Maria Rovira
Composición musical y arreglos: Juan Gómez «Chicuelo»
Interpretación: Cristina Chacón, Reinaldo Ribero, Daniel Rosado, Sol Vázquez, Pere Molsosa, Eddie Pezzopane, Maria Garriga, Lara Miso, Laia Santanach, Antonella Sampieri y Roser Tutusaus
Interpretación musical: Tomas Lorenzo (guitarra), Rosalia Vila (cante), José Antonio Martín «Salao» (cante), Isaac Vigueras (percusión) y Carlos Caro (violín)
Dramaturgia: Victoria Szpunberg
Ambientes sonoros: Xavier Gamazo
Diseño escenografía: Quim Roy
Diseño de vestuario: Ramon B. Ivars
Diseño de iluminación: Xavi Costas
Producción: Grec 2012 Festival de Barcelona y Art Trànsit Dansa

Horarios: de martes a sábado a las 21:00 horas y domingo a las 18:30 horas
Precio: de 22,50 € a 25,50 €
Duración del espectáculo: 70 minutos

Escrito por Jorge Pisa Sánchez

Crítica teatral: El tipo de la tumba de al lado, en el Teatro Goya.


El amor surge en el lugar más inesperado, sin entender, a priori, de clases ni culturas, pero ¿funciona a largo plazo al ser los enamorados demasiado diferentes? Si te gustan las amables comedias americanas de amor y desamor “El tipo de la tumba de al lado” es tu obra, pues te hará sonreír ante los problemas de relación que viven sus dos y únicos protagonistas, Maribel Verdú y Antonio Molero.

Laura (Maribel Verdú) es una joven bibliotecaria que ha perdido a su marido y que visita asiduamente su tumba en el cementerio para hablar y desahogarse con él. Pablo (Antonio Molero) es un granjero que visita la tumba de su madre para comentarle como va la granja. Él es, lógicamente, el tipo de la tumba de al lado. Los dos personajes se estudiarán y menospreciarán a distancia de lápida, pero al final se encontrarán y se enamorarán…

Todo esto en un escenario minimalista compuesto por un fondo con un montículo verde por donde los actores pasean y que simula el campo o la granja de Pablo. Y dos prismas rectangulares donde los personajes se sientan para hablar consigo mismos, o entre ellos. Un espacio desnudo que se convertirá, si es necesario, en otros escenarios alejados del cementerio.

Los dos actores comparten, en un principio, sus monólogos con el público cuando cuentan sus experiencias o valoraciones del otro. Hábilmente pasan a conversar entre ellos y vamos asistiendo al inicio y la evolución de esta peculiar historia de amor.

La obra pone de relieve los problemas que surgen en la relación al pertenecer sus integrantes a dos mundos tan diferentes que, incluso, llegan a chocar. Él es de campo a la antigua usanza, sencillo y directo; ella es culta, delicada y algo neurótica. Ninguno de los dos quiere estar solo, pero tampoco quieren renunciar a sus vidas. Maribel Verdú está deliciosa en su papel de mujer aparentemente fuerte, al igual que Antonio Molero como hombre de campo que quiere una mujer para su hogar. Los dos son actores «como la copa de un pino» y llenan el amplio escenario con sus preocupaciones y dudas, que nos plantean como si fuésemos amigos. En este contraste de vidas no esperéis encontrar situaciones como las de “Granjero busca esposa”. El humor es fino y nada chabacano ni soez. Memorable y divertida es la escenificación del primer encuentro sexual entre los dos.

El tipo de la tumba de al lado pasa de la comedia ligera, al drama, cuando hay tensiones en la pareja, pero los dos géneros son tratados con una gran suavidad. De hecho desde el inicio de la obra escucharemos los bucólicos cantares de los pajarillos que pululan imaginarios por el campo y por el cementerio, dando sensación de bienestar, una impresión que nos durará hasta el final de la representación.

El tipo de la tumba de al lado es una adaptación de la exitosa novela sueca del mismo título escrita porKatarina Mazetti. La versión teatral estrenada en el Teatro Goya está dirigida por José María Pou, todo un aval de calidad y divertimento.

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«El tipo de la tumba de al lado» se representa en el Teatre Goya del 11 de febrero al 9 de abril de 2012.

Autora: Katarina Mazetti
Adaptación escénica: Alain Ganas
Dirección: José María Pou
Versión: Josep Maria Pou
Reparto: Maribel Verdú y Antonio Molero
Ayudante Dirección: Fran Arráez
Diseño de Escenografía: Ana Garay
Diseño de Iluminación: Albert Faura
Estilismo: José Juan Rodríguez y Paco Casado
Espacio Sonoro: J. Ballve
Producción: Trasgo Producciones y Focus

Horarios: miércoles, jueves y viernes, a las 21:00 horas; sábado a las 18:00 y a las 21:00 horas y domingo a las 17:00 y a las 19:00 horas.

Funciones especiales:
6 de abril a las 18:00 y a las 21:00 horas
7 de abril a las 18:00 y a las 21:00 horas
8 de abril a las 18:00 horas
9 de abril a las 18:00 horas

Precio: miércoles y jueves, 25 €; viernes y sábado, 29 €; domingo a las 17:00 h, 25 € y domingo a las 19:00 h, 29 €.

Precio Funciones especiales
6 de abril, 29 €
7 de abril, 29 €
8 de abril, 29 €
9 de abril, 29 €

Duración de la obra: 90 minutos
Idioma: castellano
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Escrito por: Taradete

Crítica teatral: CONCHA (Yo lo que quiero es bailar), en el teatro Goya.


La megafonía del teatro anuncia el inminente inicio de la función. El murmullo de los espectadores asistentes disminuye, los nervios se acrecientan… Se ilumina el escenario, la música comienza… y al poco tiempo, una figura aparece, una silueta que va delimitando unas formas femeninas, una textura experimentada y un dominio de la interpretación construido tras muchos años de ejercicio… Es Concha Velasco y el espectáculo es Concha (Yo lo que quiero es bailar), una obra que recorre la vida y la obra interpretativa de una de las figuras más conocidas y populares del cine y del teatro español.

Podríamos decir que el espectáculo que el teatro Goya estrenó el pasado 15 de octubre es algo así como un monólogo, cocido y enriquecido con recuerdos, con experiencias, con música en directo, pero sobre todo con la constancia y el trabajo de una actriz con más de 50 años de carrera profesional.

Concha, permítanme que la llame así, como si fuera de la familia, ya que la dinámica del espectáculo nos acerca a la Concha Velasco de verdad, a la mujer que ha interpretado a todo un sinfín de mujeres, nos narra, de viva voz, su vida, sus primeros pasos en el mundo del espectáculo a través de su pasión por el baile que la llevaría, debido a su especial atractivo y simpatía, a introducirse en el teatro y más tarde en el cine.

De la mano de Concha recordaremos sus primeras andanzas profesionales, pero también su desarrollo y aprendizaje vital, y seremos conscientes de la mujer que estuvo y está detrás de personajes como la chica de la Cruz Roja, la joven Susana de La Verbena de la Paloma, la Dolly Levi de Hello Dolly, o de Teresa de Jesús.

Para ello Concha no necesita nada más que un escenario y un patio de butacas. Todo lo demás parece excesivo, parece sobrante. Solo precisa de la ligazón que la ha mantenido unida con su público desde su debut. Es descriptivo de todo esto que les digo la apariencia del patio de butacas: los cabellos teñidos de blanco son los que destacan sobre los respaldos de las butacas. Y no solo eso, solo hace falta observar el trato y el vínculo que Concha establece con el público que la ha ido a ver. La Velasco solo necesita un foco de luz y una silla elevada donde sentarse de tanto en tanto. Y una historia, o mejor dicho, la historia de su vida. Solo ella, sin artilugios, sin un vestuario despampanante, sin efectos de luz deslumbrantes, tan solo ella y los recuerdos de una vida dedicada a la interpretación.

Bueno, esto no es del todo cierto. La Velasco no está totalmente sola. Un cuarteto de músicos (Xavier Mestres, Tomàs Alcaide, Roger Conesa y Xavi Sánchez) la acompaña durante las interpretaciones musicales que jalonan el espectáculo. Porque como usted ya sabe, la de La Velasco también es una carrera musical. Y son dos de estos momentos los que voy a escoger para profundizar un poco más en la obra: el primero la interpretación del tema central del Hello Dolly!!, obra musical que Concha interpretó en el teatro en el año 2001, y que aúna la magia de Broadway y el aroma de la gran Barbra Streisand con la veteranía y el savoir-faire de La Velasco; y el segundo, la interpretación que la actriz realiza al final de la actuación de su famosa Chica ye-ye, todo un ejemplo de la energía y el vigor que Concha Velasco sigue manteniendo a sus …ejem…ejem... años de edad.

Como les decía, éste es un espectáculo 100% Concha Velasco, y una biografía teatral con la que la actriz premia a un público fiel y entusiasmado. Por que no todo son nuevas tecnologías; por que no todo son nuevos lenguajes escénicos; por que no todo es innovación y diseño, el espectáculo que nos presenta Concha Velasco, dirigido por Josep Maria Pou, vale mucho la pena, sobre todo si usted vio crecer vital y profesionalmente a una mujer por la que parece que no pasan los años, aunque si que parece que pase la experiencia, el dominio y el control de la interpretación sobre el escenario.

Si todavía no ha visto CONCHA (Yo lo que quiero es bailar) aún tiene la posibilidad, hasta el 5 de febrero, de disfrutar de algunos retazos de la vida y de la obra de la actriz, y de un poco de la forma de hacer y de vivir el teatro de “antes”. No lo dude, aunque la oferta teatral es amplia, una oportunidad como ésta no se tiene cada día, aunque bien mirado, desde el mes de octubre si que la tiene cada noche en el Teatro Goya.


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«CONCHA (Yo lo que quiero es bailar)» se representa en el Teatre Goya del 15 de octubre de 2011 al 5 de febrero de 2012.

Dirección y dramaturgia: Josep Maria Pou
Texto: Juan Carlos Rubio (Sobre biografía y relato oral de Concha Velasco)
Intérprete: Concha Velasco
Dirección musical y arreglos: Xavier Mestres
Piano y vocal: Xavier Mestres
Violín, teclado y vocal: Tomàs Alcaide
Saxo, batería y vocal: Roger Conesa
Contrabajo y vocal: Xavi Sánchez
Colaboración especial: Salvador Vidal (Voz en off)
Escenografía y diseño de video: Eugenio Szwarcer
Iluminación: Juanjo Beloqui
Sonido: Jordi Ballbé
Vestuario: Nina Pawlowsky
Producción: Focus

Horarios: Miércoles a las 20:00 horas; jueves a las 17:00 y a las 20:00 horas; viernes a las 20:00 horas; sábados a las 17:30 y a las 20:30 horas y domingos a las 18:00 horas.
Precio: miércoles y jueves, 25 €; viernes, sábado, domingos y festivos, 30 €.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez