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Entrevista: Gerard Quintana, músic que presenta el seu primer llibre, Més enllà de les estrelles.

La tardor del 2011 un fenomen extraordinari va sacsejar l’escena musical catalana: Sopa de Cabra tornava als escenaris per oferir un total de set concerts, una petita gira que va congregar més de 80.000 espectadors. Decidit a recopilar els records d’aquelles actuacions en un llibre, Gerard Quintana publica Més enllà de les estrelles (Rosa dels Vents), un volum il·lustrat amb les imatges que el fotògraf David Julià va realitzar en aquelles jornades. Culturalia ha parlat amb el músic gironí del seu llibre, de les sensacions d’aquells dies de bogeria, del procés creatiu, d’amistat i, sobretot, de rock’n’roll.

Més enllà de les estrelles explica les vivències que van envoltar els concerts de Sopa de Cabra del mes de setembre de 2011. Quan vau decidir fer el primer concert, ¿imaginàveu que el vostre retorn es convertiria en un esdeveniment d’aquesta magnitud (set concerts i més de 80.000 espectadors)?

Ni en el més agosarat i valent dels nostres somnis no havíem imaginat una resposta així. Potser per això he tingut ganes d’escriure tot allò. Quan va passar semblava un somni, i hi ha somnis que un no vol oblidar. Escrivint m’he pogut capbussar en els detalls que vaig copsar durant aquells dies però en els que, pel ritme vertiginós a què anava tot plegat, no em vaig poder recrear en el seu moment.

És més difícil escriure música o escriure sobre la música?

En principi sembla que ha de ser més fàcil establir la comunicació amb paraules que amb música, perquè el llenguatge parlat el coneixem i dominem tots des de petits. Però la música té una penetració emocional que les paraules soles no tenen. Escriure música vol un estat de consciència més intuïtiu, sovint. Però al final te n’adones que tot és qüestió de tenir integrat el llenguatge, i la paraula s’acaba incorporant al món intuïtiu a mida de practicar i assimilar la tècnica. Com sempre, tot és qüestió de treball i dedicació diària.

David Julià és el fotògraf que signa les imatges del llibre, un bon amic teu. ¿Aquesta confiança mútua va ser definitiva per incloure la seva presència als camerinos com un més del grup? ¿Seria possible aquest llibre amb un altre fotògraf?

El llibre seria diferent, segur. Amb el David hi ha un pacte no escrit des d’abans de ser Sopa de Cabra. Som companys de carrer, i ja se sap que al carrer les coses són per sempre i no poden ser a mitges. El fet d’estar acostumats a la seva presència com si fos un més de la família ha anat bé pel resultat de la feina, és clar. Ell és un free lance amb molta experiència en tots els espais de la fotografia. Ha fet des de fotografia artística fins a campanyes de publicitat internacionals amb Messi o Ronaldinho, i també moltes fotografies de concerts.

En els set concerts va fer fins a 6.000 fotografies. Va ser una tria complicada? ¿Les imatges publicades han rebut el vistiplau dels teus companys de grup?

El David va fer la seva primera selecció sobre les 6.000 fotografies i a partir d’aquí, a mida que li anava enviant els capítols mentre els anava escrivint, la tria va ser força intuïtiva i, finalment, vam fer la darrera tria en funció de la compaginació i de l’espai. En total, un procés molt creatiu en el qual vam passar de les 6.000 a les 101 que hi ha al llibre. Va haver moltes imatges que va saber greu deixar fora, però no s’han perdut, són a l’arxiu del David.

El David i tu us heu inspirat en els llibres antics del rock dels setanta (com el dels Rolling Stones). ¿El resultat és exactament el llibre que teníeu al cap?

Si no ho és, hi és molt a prop. Aquells llibres que devoràvem amb la vista van ser un component important per a la nostra bogeria per la música i el rock com a manera de prendre’ns la vida. En recordo un especialment, que va comprar un company en un viatge que vam fer a París amb l’institut, sobre la gira del Love You Life dels Stones. Em sembla que era de l’Annie Leibovitch.

Portada del llibre Més enllà de les estrelles

Com van ser els primers assajos preparatius d’aquesta petita gira? ¿Es notaven els deu anys de separació professional?

El primer dia i el segon, potser sí. Necessitàvem treure’ns la sensació d’irrealitat i de distància de sobre. Després, tot va sonar com si no haguéssim parat deu anys, només quinze dies.

Al prefaci del llibre fas un fantàstic resum del rock tal i com tu l’has viscut, des dels anys setanta fins a l’actualitat. Sembla que el rock t’ha acompanyat tota la vida. ¿Tu també consideres el rock’n’roll una manera de prendre’s la vida?

Si no fos així, no estaria encara fent música amb el mateix esperit i una mica més de consciència que quan vaig començar l’any 86. El rock és la banda sonora de la segona meitat del segle XX, i encara avui pot ajudar a explicar la història i el present, mentre apuntem al futur. Aquesta música ha fet molt pels drets humans i per la consciència global. I ho pot seguir fent.

Al llibre barreges les sensacions d’aquells dies amb els records dels teus inicis com a músic. ¿Escriure aquest relat ha estat una manera de posar en ordre els teus pensaments?

Quan vaig començar a escriure no tenia la intenció de fer un repàs dels vint-i-cinc anys de Sopa. Només volia explicar l’experiència del Retorn. Però a la que vaig acabar el primer paràgraf sobre els moments previs al primer concert al Sant Jordi, vaig sentir la necessitat de fer un salt enrere fins al primer moment en què em vaig llençar a cantar amb una banda l’any 85, a La Rioja. Tot el llibre és ple de salts en el temps per contextualitzar el somni que vam viure el passat 2011. Escriure sempre és una bona forma d’ordenar els pensaments, sí.

Dediques unes boniques paraules a Marc Grau (desaparegut l’any 1999), guitarrista i productor amb qui vau començar a treballar al segon disc, La roda. Va ser clau a l’hora de definir la sonoritat de Sopa de Cabra?

El Marc va ser el nostre mestre a l’estudi i també a l’hora de plantejar els arranjaments. A l’escenari no teníem normes, només instint. Sense ell segur que tot hauria estat molt diferent. No m’imagino la gravació del Ben Endins sense la seva participació. Feia tots els papers de l’auca. I en l’aspecte humà també va ser una immillorable influència.

Expliques com vas escriure alguns dels temes més importants de Sopa de Cabra. Un d’ells, Tot queda igual, el vas escriure a l’estudi de gravació en només uns minuts. Sempre has tingut aquesta facilitat per escriure cançons? Aquesta habilitat és producte del talent, la inspiració del moment o fruit de l’atreviment de la joventut?

No és qüestió de facilitat, més aviat la sensació és d’immersió emocional. Quan escrius una cançó, sempre hi ha una part de tu que aprofita per treure alguna de les coses que tenies pendents. És important que si tens la sort de poder cantar una cançó durant molts anys sense que la gent se’n cansi, aquesta sigui certa per un mateix. Si no és així et pot anar buidant fins que no sàpigues perquè puges a l’escenari. De vegades una cançó va creixent a dins teu encara sense forma, només com una intenció, i, quan trobes la forma, la cançó surt sola, s’allibera la tensió creativa en el moment adequat.

Gerard Quintana i David Julià

Al llibre parles de la trista història que hi ha darrere de la cançó El Carrer dels Torrats, que fins ara t’havies reservat per a tu mateix. Creus que ha arribat el moment de compartir-la amb la gent?

Sempre em pensava que si explicava realment l’espurna que va fer néixer El Carrer dels Torrats, podia semblar que perdia el sentit festiu amb què la gent l’entenia. Moltes vegades m’havien preguntat què volia dir exactament. Fins i tot recordo que fa molts anys, Quim Monzó la va fer servir en un programa de ràdio com a exemple d’una lletra absurda i indesxifrable. Suposo que quan la vaig escriure volia que fos una cosa entre el meu amic i jo. El suïcidi segueix sent un tabú, encara avui. I no em semblava adient ser massa explícit per respecte a la seva família i a la seva memòria. Però no me’n podia estar de fer-la. Sempre que l’he cantat, tenia aquest sentit per a mi, però només per a mi, que és del que es tractava. Cada persona li ha donat el sentit que s’ajustava a la seva experiència, m’imagino. No deixa de fascinar-me aquesta polisèmia.

El Far del Sud va néixer després de veure una pel·lícula al cinema. ¿Qualsevol fet pot inspirar una bona cançó?

Qualsevol fet que no puguis guardar per a tu sol. Sempre que he llegit un bon llibre que m’ha arribat al moll de l’os, o una pel·lícula o una obra de teatre, o quan he fet un viatge a algun lloc fascinant, el primer que he volgut fer és compartir-ho amb la gent que m’estimo. I les cançons són una de les millors maneres de fer-ho. El Far del Sud va sorgir després de veure una pel·lícula del mateix nom del director argentí Eduardo Mignona. Des que vaig sentir A Man Needs a Maid del disc “Harvest” de Neil Young, quan jo era un noi, que volia escriure una cançó com El Far del Sud.

Set concerts donen per a molt, per a moltes sensacions. ¿El moment més emotiu per a vosaltres es produïa quan apareixia la imatge del Joan Cardona (Ninyin) a la pantalla?

Sí, sobretot el primer dia al Sant Jordi. Se’m va fer un nus a l’estómac i un altre a la gola. Sort del públic que va empènyer endavant.

Per a aquest retorn vau incorporar a Xarim Aresté (guitarrista dels Very Pomelo). Per què ell, precisament?

El Xarim sembla més gran musicalment del que indica la seva edat. Ha mamat molt el blues de Chicago i això el fa proper al so més stonià, a part de ser un gran seguidor dels Grateful Dead. Em sembla que si haguéssim estat buscant deu anys no hauríem trobat ningú millor que ell. En l’actitud i en la tècnica. És una bona persona que viu per la música.

En els quinze anys que va existir la formació vau realitzar una gran quantitat de cançons. ¿Va ser difícil escollir el repertori definitiu d’aquests set concerts? ¿Va costar posar-vos d’acord tots els components del grup?

Va ser difícil, però no traumàtic. Un cop vam determinar les quaranta cançons que vam assajar, tot va anar sol. A més vam tenir set concerts per anar fent algun canvi de repertori a cada un d’ells. Suposo que si haguéssim actuat en petits locals el repertori hagués variat força.

En aquests concerts vau reunir diferents generacions de seguidors, pares i fills cantaven junts les vostres cançons. ¿Quina sensació té un músic quan veu que les seves històries han captivat a espectadors d’edats tan diferents?

Quan fas una cançó sol a casa teva mai no pots imaginar que pot acabar ajuntant a tanta gent. Més aviat tens una certa sensació de fragilitat. Però un cop la cançó surt sola a passejar i passa una cosa així, tens també una sensació important d’alteritat. La cançó ja no és teva, és de tothom. Però això no depèn només de tu.

Aquesta és la teva primera incursió en la literatura. Ja tens pensat quin serà el següent llibre? Tinc entès que d’idees no te’n falten.

Sí, tinc dos llibres en marxa i algun més en projecte. Però deixarem que el temps vagi ordenant i donant sortida a cada cosa en el seu moment. He esperat molts anys a començar a publicar i ho he fet amb un llibre que no tenia planejat. En canvi, n’hi ha algun que fa trenta anys que em ronda i que va creixent al meu cap. No tinc pressa però sí que tinc ganes de seguir sense aturar-me.

Esperarem, doncs, aquests nous projectes literaris.


Títol:Més enllà de les estrelles
Autors: Gerard Quintana / David Julià
Editorial: Rosa dels Vents
Pàgines: 168
Data de publicació: Abril 2012
Preu: 18,90 €

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

Entrevista: Jorge Díaz, autor de la novela La justicia de los Errantes.

En el último mes se han presentado una gran cantidad de novedades literarias. Una de ellas es La justicia de los Errantes, una excelente novela protagonizada por Francisco Ascaso y Buenaventura Durruti, líderes anarquistas que en la década de 1920 estaban al frente del grupo armado los Solidarios, una obra de ficción con trasfondo histórico que llevará a sus protagonistas a América Latina, al mismo tiempo que son perseguidos por un policía sanguinario. En estos días de intensa promoción, su autor, Jorge Díaz, aceptó conversar unos minutos con Culturalia sobre su novela, una charla sobre historia y literatura en la que derrochó grandes dosis de simpatía.

La Guerra Civil es un tema recurrente en novelas y películas, pero los años veinte, claves en el estallido del conflicto, han pasado más desapercibidos. ¿Qué te hizo escoger esos años para ambientar tu libro? ¿Cuándo surge la idea?

Creo que la Guerra Civil es un tema muy utilizado porque debemos escribir sobre los momentos en los que las cosas no funcionan. Yo he sido guionista de Hospital Central y, si el paciente llega, le diagnostican una apendicitis, se la operan y se marcha a casa ya no hay historia, así que tienes que escribir desde el momento en el que no le diagnostican la apendicitis, le diagnostican otra enfermedad y se muere. Y ahí ya tienes la historia. Siempre hay que buscar la “antihistoria”, el momento en el que nada funciona. Y en España tenemos un acontecimiento tan grande como la Guerra Civil, en el que nada funciona, que tapa todo lo demás; pero desgraciadamente tenemos muchísimas más épocas en las que nada funciona, momentos que no llaman tanto la atención, y yo me he limitado a escoger una época atractiva para mí, esos años veinte convulsos en los que no se sabe si el rey Alfonso XIII quería ser Mussolini y tener un gobierno militar o no, o prefería una democracia falsa, acabamos en una República,… Aquellos años a mí me llamaban mucho la atención.

¿Te has sentido cómodo escribiendo un relato protagonizado por personajes históricos?

Sí, me he sentido muy cómodo porque he escogido un momento en que los personajes históricos no estaban tan documentados: prácticamente se sabe todo de la vida de Durruti, excepto ese año y medio que estuvo por Sudamérica. He estado arropado por unos personajes que existían y que se conocían, Durruti y Ascaso, pero están situados en una época menos conocida que me daba más libertad para ficcionar.

¿Por qué elegiste a Francisco Ascaso como protagonista, y no a Buenaventura Durruti, sin duda una figura más conocida?

Porque a Durruti le conoce mucho todo el mundo, el lector ya tiene una imagen muy formada de él. ¿Os imagináis a Durruti ligando con una cubana? Yo no. Por otro lado tenía al otro personaje (Ascaso) que no conocemos tanto y a quién podía dar más humanidad; era igual de importante, menos famoso, la gente lo conoce menos, y eso me permitía ser más libre con él. ¿Qué me impide ponerlo a ligar con una cubana? Nada, mientras que Durruti era un hombre preocupado sólo por la revolución, más idealizado, y por eso tenía más posibilidades de que nadie dijera nada usando a Ascaso.

Francisco Ascaso y Buenaventura Durruti hacían una pareja muy novelesca: el primero era más analítico y precavido, el segundo más carismático, impulsivo y con mayor capacidad de liderazgo; en definitiva el uno complementaba al otro. ¿La vida de ambos merecía ser convertida en novela?

Yo evidentemente lo creo porque la he escrito. A parte de su actividad revolucionaria Durruti era un personaje muy expansivo: era muy alto, para su época era un gigante, en cuanto llegaba a un sitio se veía que él había entrado, y por la calle todo el mundo sabía que ése que iba un palmo más arriba que los demás era Durruti; además, parece ser que tenía una simpatía desbordante, todo el mundo le conocía, le saludaba, etc. Y a su lado hay un personaje como Ascaso, mucho más apagado pero igual de importante. Aunque los periódicos los llamaran “La banda de Durruti” ellos dos tenían la misma importancia. Así, me encuentro con un personaje que ha renunciado a una parte de la fama por una amistad y unos objetivos (los Solidarios, los Errantes, la revolución, la CNT, la FAI,…); no son objetivos personales, sino que se han dado cuenta (me lo invento) que uno es el que piensa a qué hora se entra en el banco y el otro el que entra con la pistola en el banco, son complementarios pero en función de algo: del Anarquismo. Y por eso me parecía una amistad muy importante y muy literaria, y, además, si hubieran sido americanos los conocería todo el mundo. En su momento eran mucho más famosos que Sacco y Vanzetti, anarquistas italianos muertos en Estados Unidos, mientras que Durruti y Ascaso sólo son un leonés y un tipo de Almudévar (Huesca) pasados por Barcelona. Al final, Sacco y Vanzetti son más famosos que ellos cuando en su tiempo no lo eran, y tienen una película. Y éstos tendrán una película, yo voy a hacer justicia (risas).

Portada del libro

Francisco Ascaso es el protagonista de La justicia de los Errantes, pero Ernesto Valenzuela, su antagonista, es casi tan importante como él. Valenzuela es un tipo violento, sanguinario, dominado por el odio. ¿Su personaje es fruto de la imaginación o te has documentado en algún caso real? ¿Crees que, en esos días convulsos, existían policías como él?

El malo es muy importante porque el malo es quien te da el nivel del bueno: si el malo es tonto, el bueno lo tiene muy fácil. Así, cuanto mejor sea el malo, más complicado lo tiene el bueno y más mérito tiene superarle. Por eso para mí el malo es importantísimo, y creo que Valenzuela, fruto absolutamente de mi imaginación, es un malo de los buenos, por eso en la novela tiene tanta importancia como Durruti y Ascaso, ellos son los tres grandes protagonistas de esta historia.

La novela se centra en el periplo americano (La Habana, México, Chile, Argentina) de los dos líderes de los Solidarios (que acabarían siendo los Errantes). ¿Por qué te centraste en ese período? La situación del país en tiempos de Primo de Rivera también hubiera sido interesante, con las calles sufriendo las batallas entre pistoleros de los Solidarios y los fascistas del Sindicato Libre.

Previamente uno se plantea por dónde empezar: de todas las novelas que se pueden hacer de cada caso tienes que escoger una. Los pistoleros de Barcelona eran importantes, pero también venían de atrás, el barón de Koenig y todo eso, y tenía que escoger el momento en el que os protagonistas empiezan a ser ellos: ya han asesinado a Salvador Seguí (El Noi del Sucre), ya se ha producido el atentado contra Eduardo Dato, años atrás sucedieron los hechos de la Semana Trágica, así que éste es el momento en que ellos pasan a tener adversarios superiores; han echado a Martínez Anido del gobierno militar de Barcelona, pero triunfa Primo de Rivera y lo pone de ministro, y su obsesión es acabar con ellos. Hasta ese momento los Solidarios estaban crecidos, por primera vez en la historia se había matado a un arzobispo en España, y ellos piensan que ya han vencido en su guerra, pero ahora su adversario será más importante. Por eso me gustaba ese momento, el de la muerte de Soldevila, me parecía muy literario empezar por ahí.

Afirmas que ésta no es una novela histórica, a pesar de estar repleta de nombres y situaciones reales. ¿No te gustan las etiquetas?

No me gustan, yo creo que las novelas tienen que ser buenas o malas. Entiendo que la novela histórica es aquélla en la que los personajes inciden sobre la Historia. Por ejemplo: yo puedo iniciar una novela histórica e inventarme una amante de Hitler, y que esa amante incida en el hecho que se perdiera la Segunda Guerra Mundial. Para mí eso es novela histórica. La mía simplemente es una novela ambientada en otra época, pero una novela al fin y al cabo. Quizás estoy equivocado con mi definición, pero la mía tan sólo es una novela ambientada en 1920.

Intuyo un enorme esfuerzo de documentación. ¿Fue un proceso muy largo? Explícanos cómo fue ese proceso.

Yo he descubierto que la documentación es lo que más me gusta. Después de mi primera novela (para la que me fui un año a Brasil, y así es fácil que te guste la documentación) descubrí que escojo los temas de las novelas en función de lo que me apetece saber. Es decir, si tú quieres saber ahora mismo algo sobre el descubrimiento de América, lo mejor es escribir una novela porque leerás toda la información que exista. Me gusta mucho, y por lo tanto es llevadero. Además, tenemos una maravilla que es la Biblioteca Nacional donde hay de todo, cuando estás interesado en algún tema es tan fascinante ir tirando de un libro, y ver que nombra otro en el pie de página y pedirlo,… Puedes invertir muchas mañanas en la Biblioteca Nacional, de un libro a otro, y luego otro, y de un pie de página sacas otro libro,… A mí este proceso me divierte mucho, me gusta convertirme en un ratón de biblioteca. Casi es más divertido eso que escribir luego, aunque escribir también es muy divertido si te gusta, el que sufra no, pero no es mi caso, si a mí me costara no lo haría.

De La justicia de los Errantes se ha dicho que es una “apasionante novela”, un relato “tan de aventuras que parece irreal”, una “novela impecable desde el punto de vista técnico”, un libro de “ritmo vertiginoso”. ¿Esperabas que tuviera tan buen recibimiento?

Aunque no quiero pecar de inmodestia, sí que me esperaba este recibimiento por parte de la crítica. En este aspecto estoy muy mal acostumbrado. Ya me pasó con la primera novela…. Tengo una mala crítica y no la comento, porque me parece injusta.

Los Solidarios: Francisco Ascaso, Buenaventura Durruti, Gregorio Jover

¿Qué fue más complicado: reconstruir la personalidad de figuras históricas (como Ascaso o Martínez Anido, ministro de gobernación de Primo de Rivera), o inventar personajes que pudieran pasar por reales (como Valenzuela o Paz Vidal)?

Inventar personajes que puedan pasar por reales ha sido siempre mi trabajo, ya sea para una serie de televisión o para una novela. A mí me gusta llevar a los personajes históricos al límite, conseguir que situaciones o escenas que me he inventado sean creíbles para el lector o el espectador. Poder crear una situación que nunca existió, que no es real, y hacérsela protagonizar a dos personajes que sí existieron de verdad y conseguir que el lector se la crea. Eso es, para mí, muy divertido. Lo otro, crear personajes de ficción que parezcan reales es mi trabajo, o eres capaz de hacerlo o no acabas la novela.

En tus dos novelas el marco geográfico se sitúa en América latina (Brasil en Los números del elefante; Cuba, México, Chile y Argentina en La justicia de los Errantes). ¿Un territorio inmejorable para situar la acción de una novela?

A mí me gusta mucho y además así, si me hacen viajar, puedo ir a sitios que me gustan (risas). Además, siempre que viajas a América Latina ves tantas cosas nuestras que te parece mentira. ¡Son más españoles que nosotros! Me gusta además la idea de “territorio ignoto”, el personaje que llega a un sitio en el que nunca ha estado pero que se parece mucho a lo que conoce.

Como has comentado en algún otro medio, tus protagonistas “no dejan de ser terroristas”, si bien “actúan con honestidad”. ¿Algo impensable en la actualidad?

Yo creo que el Anarquismo es una ideología de la primera mitad del siglo XX y que la segunda mitad del siglo XX, o este comienzo de siglo XXI, presentan circunstancias distintas, por lo que tienen que presentar ideologías distintas. No se pueden juzgar los hechos actuales con criterios de hace un siglo, y tampoco se pueden aplicar soluciones del siglo XIX a problemas del siglo XXI, ni podemos juzgar acontecimientos de entonces ahora. Yo creo que Ascaso y Durruti eran terroristas, de eso no cabe ninguna duda. Si ellos fueran personas que estuvieran actuando en la actualidad, no podríamos tener la condescendencia que tenemos. Por otra parte, la mía es una visión literaria, nada más.

La justicia de los Errantes es una novela muy cinematográfica. ¿Te gustaría que se convirtiera en una película? ¿Imaginas algún actor encarnando a Ascaso, Valenzuela y Durruti?

Siempre me preguntan qué actores podrían encarnar a Ascaso y Durruti en una película, pero siempre me lo dan hecho, y siempre me dicen que Javier Bardem estaría estupendo como Durruti. Yo creo que sí.

¿Serías capaz de hacer el guión de la película?

No me gustaría, delegaría en otros. A no ser que me llamase Scorsese y me hiciera una oferta irrenunciable… No, creo que las historias las cuentas una vez y ya está. Estoy seguro que otro guionista aportaría una visión diferente y mucho más enriquecedora. Seguramente el guión no lo haría yo, pero todo puede ser.

Eres también guionista de series de televisión como MIR, 7 Días al desnudo u Hospital Central. ¿En qué medio te sientes más a gusto?

Hasta ahora la televisión es mi trabajo y la novela es mi hobby. Te diviertes mucho más con los hobbies que con el trabajo del día a día, por lo que disfruto mucho más escribiendo novelas. Aunque tengo mucha más experiencia en televisión, pero bueno intentaré arreglarlo (risas).

Fotografías no conocidas de la Sûreté de Juan García Oliver, Buenaventura Durruti y Francisco Ascaso. Centro de Archivos Contemporáneos Fontainebleau

Guionista, escritor, ¿son experiencias similares? ¿Existen muchas diferencias entre crear escenas literarias y escenas audiovisuales?

A mí no me parecen tareas muy diferentes, aunque esa puede ser una de las críticas que me hagan, que la novela tenga un formato muy televisivo. Pero bueno, a mí eso me parece que es bueno. En los agradecimientos del libro aparecen personas que son tanto novelistas como guionistas y especifico “guionistas unos, novelistas otros, escritores todos”. Creo que en el fondo no dejamos de ser gente que escribe con una técnica o con otra. Aunque, claro, de esto están muy orgullosos los guionistas y menos los novelistas, que son como la aristocracia de la escritura. Pero yo creo que es un poco igual.

Ésta es tu segunda novela. Supongo que ya tendrás pensada una tercera. ¿Puedes avanzarnos algo? ¿Tendrá un trasfondo histórico?

Estoy pensando en una nueva novela, aunque todavía no la tengo completamente definida. Lo que sí os puedo contar es que ahora mismo todo lo que no leo por placer tiene que ver con el final del franquismo. Probablemente mi tercera novela estará ambientada en ese periodo y probablemente esté ambientada dentro del régimen, o sea, el final del franquismo desde dentro, no desde fuera, que es lo que siempre se cuenta. Ahora bien, ¿qué significa esto? Pues nada, o sea, simplemente que mi interior ahora mismo está dirigiéndose hacia allí, que estoy leyendo cosas en este sentido, pero que a lo mejor dentro de quince días cambio de opinión y os encontráis con una novela de pieles rojas, pero vamos, me parece que mi próximo proyecto literario estará ambientado en la España del año 73, aunque de momento no es nada definitivo.

El día de Sant Jordi/Día del libro, Jorge Díaz firmará ejemplares de La justicia de los Errantes en Alcalá de Henares.

Jorge Diaz colabora en el blog Culturamas.

Título: La justicia de los Errantes
Autor: Jorge Díaz
Editorial: PLAZA & JANÉS
Páginas: 464 páginas
Fecha de publicación: Marzo 2012
ISBN: 9788401352270
Precio: 19,90 €
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Entrevista realizada por: Robert Martínez Colomé y Jorge Pisa Sánchez

Entrevista: Quimi Portet, músic que presenta nou disc, Oh My Love.

 

Fa uns dies ens fèiem ressò de l’aparició del nou disc de Quimi Portet, Oh My Love, quinze noves cançons que aviat defensarà en diverses ciutats catalanes, en una gira que començarà el proper 2 de juny a Les Borges Blanques, i que el portarà a Tarragona, Terrassa, Mataró i Barcelona. En aquests dies de promoció, Portet ha tingut l’amabilitat de parlar amb Culturalia sobre el seu nou treball.

El disc va aparèixer a les botigues el dimarts 13 de març. Dedueixo que no ets gens supersticiós.

No, gens.

Oh My Love és el títol del nou treball. Ha arribat el moment de mostrar-se romàntic?

En aquest cas, l’amor només és un pretext per a parlar de moltes altres coses.

A la portada hi apareix un mico. És un homenatge als nostres avantpassats més irracionals?

No, és una portada que ens feia riure. No hi veig cap sentit però m’agrada que la gent n’hi trobi.

Citar a Voltaire i els Gipsy Kings en una mateixa estrofa fa d’intel·lectual?

Potser citar Voltaire sí. Citar els Gipsy Kings definitivament no. L’estrofa és humorística.

La lletra de Sunny Day és optimista i divertida, una oda als dies de platja, però l’acompanyament musical és melancòlic i un punt trist. Per què aquest contrast?

La lletra, si es llegeix bé, també té un punt trist. M’agrada, però, aquest contrast.

L’humor sempre està present en les teves cançons. En aquests temps tan durs, on la paraula “crisi” està en boca de tothom, apostes per riure i tenir una actitud positiva. ¿És imprescindible prendre’s la vida així, amb ironia i humor, per sobreviure?

Per a mi, la música popular té un component molt remarcable d’evasió. No puc evitar barrejar la ironia amb altres sentiments en els meus textos; independentment del tema que tractin.

Adrià Puntí canta a Carrer Nou. Sempre li has dedicat grans elogis i fins i tot has afirmat que és l’artista de més talent de la seva generació. Tenies ganes de treballar amb ell?

Treballo amb ell regularment des del seu primer disc en solitari.

Al disc hi col·laboren també cantants de llarga trajectòria com Albert Pla (habitual en els teus anteriors treballs, ja que t’ha acompanyat a les cançons Rius de Babylon i Homes i dones del cap dret) i Mone. ¿Hi ha algun altre cantant amb qui t’agradaria comptar en pròximes ocasions?

No ho he pensat gaire. Normalment col·laboro amb amics.

A Mil nou-cents seixanta-set recordes aquells versos que escrivies quan eres adolescent. ¿Aleshores ja pensaves en ser músic?

Sí, sí. Els meus familiars diuen que als set anys ja ho deia. Jo no me’n recordo.

A Girona (cançó crepuscular) hi inclous una estrofa d’una vella cançó (“Nyigo, nyigo, nyigo / calces de paper; / la tomata verda / i el pebrot vermell.”). Lamentes que s’oblidin aquelles antigues cançons de carrer?

Són dues cançons barrejades. Les cançons s’obliden i se n’inventen de noves. M’és igual.

En les gravacions dels teus discos acostumes a tocar tots els instruments, però en aquesta ocasió no ha sigut així: Antonio Fidel, Juan Carlos García, Ernest Miralles i Jordi Busquets hi han aportat el seu granet de sorra. Per quina raó has canviat la teva manera de treballar habitual?

No tinc un sistema fix de treball. Al disc li ha anat bé, em sembla.

A La Terra és plana, el teu cinquè disc, vas incloure una divertida versió dels Boney M en català (Rius de Babylon). No has pensat fer una altra versió com aquella per a aquest disc?

No.

Rodes els teus videoclips, que anomenes “filmets”. Per quin motiu? ¿No te’n refies dels directors professionals, o potser és més divertit fer-ho un mateix?

És gratuït i m’avorreixo menys. Jo sóc músic i els videoclips els faig per obligació.

Per a les teves actuacions en directe et faràs acompanyar de Jordi Busquets, Xarli Oliver i el teu inseparable Antonio Fidel, els tres músics que t’acompanyen des del 2004. És més fàcil entendre’s amb músics habituals? Amb ells ja existeix la complicitat d’una banda?

En directe funcionem com un grup; no com un solista acompanyat. És infinitament més divertit.

Fa vint anys les teves actuacions en directe amb El Último de la Fila podien reunir milers de persones. ¿Trobes a faltar aquells concerts en grans estadis?

No.

Oh My Love és el teu vuitè disc en solitari; en aquests anys has signat més d’un centenar cançons, moltes d’elles extraordinàries, però els nostàlgics encara et preguntem si tocaràs alguna cançó de El Último de la Fila en els teus directes. N’estàs una mica cansat?

Tinc força cançons noves i em fa molta més il·lusió tocar-les.

L’any 2007 vas publicar el teu primer llibre, Diari d’un astre intercomarcal (Editorial Comanegra). ¿Tens pensada alguna nova incursió editorial?

No.

Afirmes que el teu somni continua sent el de poder viure sense treballar. Creus que ho aconseguiràs?

No. Però un somni és un somni.

Continuem somniant, doncs.

 

Títol: Oh My Love
Autor: Quimi Portet
Discogràfica: Música Global
Data de publicació: Març 2012
Més informació: www.quimiportet.com

____________________
Escrit per: Robert Martínez Colomé

Estrevista: Claudio Biern Boyd, fundador de la compañía de animación BRB Internacional.


Claudio Biern Boyd
es licenciado en derecho y técnico de publicidad. Fue miembro fundador y vicepresidente de la Academia de Televisión. Fundó en 1972 la compañía BRB Internacional que empezó como agencia de merchandising y de gestión de derechos de populares series animadas extranjeras para al poco lanzarse a la producción de sus propias series de dibujos animados. Series que han sido éxitos y que son imperecederas. Series que han marcado a varias generaciones porque los guiones eran buenos y la animación también. Biern es el responsable de que un sábado del lejano año 1985 acabáramos niños y mayores con un nudo en el estómago y lágrimas en los ojos viendo el desenlace de la serie David el Gnomo. Algo perdonable por los cientos de buenas horas animadas que nos ha hecho pasar.

BRB Internacional sigue al pie del cañón produciendo series propias y licencias derivadas, usando las nuevas tecnologías. La compañía Screen 21, impulsada por él mismo, crea unas cinco series anuales. Han realizado largometrajes animados y ¡de imagen real! Actualmente se han introducido en los musicales teatrales con montajes que rememoran sus éxitos animados. Recientemente han colgado buena parte de su catalogo de series para ver gratuitamente en Internet.

Iniciamos la entrevista.

¿Qué series de dibujos te gustaban de joven?

TOM Y JERRY

En la España de los sesenta la animación se usaba más para el campo de la publicidad con los Estudios Moro a la cabeza. ¿Qué opinas de esta tradición que se ha perdido?

No se ha perdido, aún se utilizan con frecuencia (Danone, Cola- Cao, fabricantes de juguetes etc.)

¿Cómo te interesaste por el mundo de los dibujos animados y como llegaste a fundar tu compañía, todo un referente en este campo? Algo que tiene merito porque en alguna entrevista has mencionado que apenas sabes dibujar…

Siempre me habían atraído los dibujos y sobre todo el mundo infantil. (Tengo 6 hijos). Empecé como agente de Merchandising de productoras europeas y americanas. Luego distribuí series y por último decidí producir por mi cuenta.

Cuándo fundas tu compañía ya existía una muy veterana desde 1963, Estudios Cruz Delgado, artífices del primer éxito en una serie animada española: Don Quijote (1979). ¿Ahí ya sospechaste el éxito de animar grandes clásicos de la literatura universal?

Tenía que usar éxitos de la literatura Universal por dos motivos: 1) Porque de pequeño devoraba los libros de Julio Verne, Salgari, Zane Grey, Dumas y los tebeos españoles. 2) Porqué eran conocidos a nivel internacional. Y facilitaba su comercialización.

En los inicios distribuías series internacionales como la abeja Maya o El Bosque de Tallac… ¿Os esperabais el éxito de las mismas o os pillaron por sorpresa?

El Bosque de tallac. 1977

Sabíamos que serían éxitos porque venían de triunfar en otros países de Europa.

“Bola de Drac” fue una de las series más populares en Cataluña y durante muchos años no tuvo nada de merchandising. ¿Los derechos y licencias japonesas eran difíciles de adquirir antes y en la actualidad?

A los japoneses, como a todos, les gusta el dinero… osea…

Uno de los grandes recuerdos de chaval eran los álbumes de cromos de Danone. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos? ¿Participabais de alguna manera en el producto o lo hacían empresas ajenas a la vuestra?

Fueron el gran impulsor del consumo de yogures en los hogares españoles. Lo hacíamos a través de terceros y se llegaron a fabricar millones de álbumes.

Tu primer logro animado llega en 1980 con “Ruy, el pequeño Cid” o las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar de niño. Una serie española y la primera de una larga colaboración con Nippon Animation. ¿Cómo se organizaba el trabajo de producción?

Muy difícil. No había ni fax (por supuesto no existía Internet, ni móviles, ni nada de nada). Sólo había Telex (teletipo) que no permitía mandar imágenes. Había que crear todo el material personajes, diseños, fondos, documentación, guiones, story-boards, etc… en España y tener personas con carácter fijo en el país de producción. Luego toda la post-producción en España.

Después vinieron las exitosas D´Artacan y los tres Mosqueperros (1982) y La vuelta al mundo de Willy Fog (1983). ¿Por qué el uso de personajes animales antropomorfos?

D´Artacan y los tres Mosqueperros. 1982

Son más simpáticos para los niños y más fáciles de animar.

¿Cuánto tiempo llevaba hacer una de estas series? ¿Cuántos profesionales trabajaban en ella?

Mínimo dos años. Unas 350 personas.

El año 1985 es especial para ti pues creas cierta serie (David el Gnomo) en una espera en un aeropuerto…

Al volver de viaje a Asia en la escala del avión en Ámsterdam vi el libro en el kiosco del Aeropuerto. Me atrajo tanto que lo compré (estaba en holandés) y de ahí vino lo demás.

En Wikipedia se afirma que para la versión americana de esta serie se tuvieron que rebajar los pechos de la mujer de David o quitar las escenas en que amamantaba a sus bebes. ¿Es cierto?

Se quitaron 3 escenas: a) Cuando Lisa amamanta a sus bebés, b) cuando un gnomo orina contra un árbol y c) cuando 2 gnomos jóvenes ordeñan las ubres de una vaca.

¿Nos puedes explicar algo sobre la creación de las sintonías de las series? Todo un éxito entre los chavales de entonces y un recuerdo mágico para los adultos de ahora.

Soy un gran aficionado a la música y especialmente al cine musical. Además los niños/as se quedan enseguida con la música. Contacté con grandes músicos: Guido y Mauricio de Angelis, Albert Hammond, Teo Carralda, etc..  E intérpretes: Mocedades, Marta Sánchez, etc.… Y consiguieron crear melodías que aún hoy en día se recuerdan y se cantan:

¿Y En relación al doblaje de vuestras series?

Con actores tan buenos nunca hubo el más mínimo problema.

¿Fue difícil competir en Europa y en el mundo a principios de los 80 con una empresa de animación para televisión establecida en España?

David el Gnomo. 1985

Pues mucho pero tuvimos suerte y acierto en las series que produjimos.

Algunos dibujantes de cómics mencionan que en los noventa hubo crisis en el 9º arte y muchos se pasaron a la animación. De hecho vuestro estudio realizo Mortadelo y Filemón (1994) y Zipi y Zape (2000) ¿Es difícil trasladar personajes de cómics a los dibujos animados captando su esencia? ¿Lees o te gustan los cómics?

Me encantaron, me encantan y me encantarán los comics. No es difícil pero hay que ser muy fiel al autor.

En estos años también hubo segundas partes de las series de D´Artacan o Willy Fog que no tuvieron tanta repercusión como sus predecesoras. ¿Tal vez el tipo de animación a lo D´Ocon Films tuvo algo que ver?

La animación era la misma que las primeras partes y fueron de mucho éxito de ventas ya que las emisoras que habían comprado la primera parte compraron la segunda.

¿Existe alguna idea, algún personaje o alguna serie que se haya quedado en el tintero a lo largo de todos estos años?

Sí, varias. Incluso alguna serie inició su producción pero no se llevó a cabo por falta de aceptación o financiación.

En la actualidad los niños crecen más rápido, están más estimulados y tienen menos paciencia. El ritmo pausado semanal de una serie ya casi no existe. Los cambios de las franjas horarias televisivas y la creación de los canales temáticos de dibujos animados han afectado, seguro, a la producción de dibujos animados para la televisión. Sin embargo pensamos que si alguna cadena potente le dedicase a una serie animada la franja horaria de las 3:30 los sábados y domingos podría lograr el éxito. ¿Qué piensas?

TOTALMENTE DE ACUERDO ¡!!!!!!!

Ahora más que nunca, vuestras producciones están dirigidas a una audiencia  mundial. ¿Es muy diferente hacer una serie para un niño de los 80 que para un niño del siglo XXI?

La vuelta al mundo de Willy Fog. 1983

Sí. El niño actual tiene a su disposición muchísima oferta para elegir: TV, consolas, móvil, Internet, etc.. y dentro de cada uno de estos medios de transmisión tiene decenas si no cientos de ofertas.

El lema de vuestro estudio ha sido “educar con la diversión y el entretenimiento y hacer felices a los niños”. Series didácticas de vuestro sello como “los Sabios” lo avalan. ¿Viendo la sociedad en la que vivimos y de la que poco a poco se va apropiando la generación a la que se dirigían las series de BRB Internacional en los años 80, crees que el objetivo educativo se ha conseguido también? ¿Faltan o ya no tiene cabida series didácticas?

Las emisoras comerciales quieren audiencia y el didactismo no les atrae.

Es indudable que en la actualidad los recursos y la calidad visual / técnica a la hora de crear series de dibujos animados han evolucionado mucho. Pero ¿crees que los contenidos de las series de dibujos animados han mejorado también?

Como hay muchas más producciones hay más mediocridad pero sigue habiendo series muy creativas.

¿Qué piensas de series como “South Park” o “Padre de Familia”?

En mi opinión son más para adultos que para niños.

¿En que situación está en la actualidad la industria animada televisiva en España? ¿A dónde se dirige?

Muy mal por falta de apoyo no solo institucional sino privado. Los canales temáticos para niños están en manos de empresas extranjeras que dan preferencia a sus series.

Sábado 3:30. El musical. 2011

Hoy en día una persona o un grupo con pocos medios puede montarse su serie animada, ahí tenemos el éxito en Internet de Calico Electrónico. Sin embargo han tenido que cerrar… ¿Internet ayuda o perjudica?

Creo que Internet ayuda mucho a que gente con pocos medios pueda desarrollar su profesionalidad que de otra manera no podría.

En los últimos años habéis apostado también por transportar la magia de vuestras series a los escenarios. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál ha sido el resultado de esta experiencia teatral?

Por mi afición a los musicales. La experiencia ha sido positiva a nivel personal ya que he conocido un mundo distinto y he estado en contacto directo con los padres y los hijos. A nivel económico no tanto.

¿Qué serie animada es la que ha aportado más beneficios económicos a BRB Internacional y cuál es tu favorita?

David el Gnomo la más exitosa. Y como digo siempre mi favorita es la que estamos produciendo ahora.

¿Nos puedes adelantar algún nuevo proyecto?

Largometrajes para cine de BERNI y D’ARTACAN.

Qué puedes decir brevemente de los siguientes directores de animación:
CHUCK JONES: Creativo al máximo y divertidísimo.
HANNA BARBERA: Los conocí a los dos personalmente y a sus mujeres (todos grandes personas). Grandes dibujantes y creativos. Sorprendidos por su éxito
TEX AVERY: Creatividad U.S.A.
WALT DISNEY: El primero y único.

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Entrevista realizada por: Culturalia y El Rincón del Taradete.

Entrevista a Toni Cabré, dramaturg i guionista. Teatre i televisió.

Hola a tots,

Aprofitant el meu treball a l’assignatura Professions de la Cultura del Màster de Gestió Cultural que realitzo a la UOC, publico al bloc l’entrevista que vaig realitzar a Toni Cabré, dramaturg i guionista, en relació a la seva activitat artística i teatral (i televisiva). Sobretot ens vam centrar en les motivacions que el van portar a desenvolupar la seva professió, la creació de les seves obres, la seva forma de treballar, la seva relació amb el món teatral, les problemàtiques del sector i, també, i com no, dels millors moments que li aporta la seva feina.

Espero que us agradi!!

Entrevista. El creador cultural i la creació. Toni Cabré.

Toni Cabré

Toni Cabré va néixer a Mataró l’any 1957. És dramaturg, enginyer i guionista. La seva producció teatral és variada, però manté dues constants: la realista (la relació de l’home amb el món tecnològic, la complicitat amb el poder, el dubte…) i la paradoxal (teatre dins del teatre, confusió de realitat i il·lusió, veritat i mentida…).

La seva primera obra teatral és Computer Love (1980). Després publica Els camaleons també paguen i Oh, bit!. El 1989 estrena Estrips. El 1994 estrena i publica el monòleg La metamorfosi, basat en la narració de Kafka. Ha publicat també Treva, Overbooking, el monòleg Oi?, l’obra Històries d’amor, estrenada l’any 2000 a Barcelona al Teatre Nacional de Catalunya i a Madrid per les companyies Yacer Teatro (2002) i Máscara Laroye (2003), i Viatge a Califòrnia, Navegants, L’efecte 2000, Teoria de catàstrofes, Iglú, Demà coneixeràs en Klein i les peces breus Fantasies, Obra inacabada, Rosebud Hotel, Ningú i Vladimir. Com a guionista, ha format part de l’equip de les sèries de Tv3 Poble Nou, Secrets de família, Nissaga de poder, Laberint d’ombres, La Riera i Olor de Colònia. Ha obtingut diversos premis teatrals.

ENTREVISTA.

Quines són les motivacions que et van portar a dedicar-te al teatre (a la cultura)?

A la meva família, sobretot per part del meu pare, hi havia afició pel teatre. Potser per això vaig participar en grups amateurs de l’època i, després, en grups independents. Em va influir molt el teatre que es feia i es veia a Catalunya als anys setanta. També vaig anar a alguns cursos de teoria i història del teatre, a la universitat. A principis dels 80 vaig començar a escriure teatre.

Les expectatives que tenies quan vas començar s’han complert o es van complint?

Jo no em considero un escriptor sinó un autor de ficció dramàtica; és a dir algú que escriu per ser representat, no per ser llegit. Sempre que una obra meva puja a un escenari sento les meves expectatives acomplertes. De vegades són estrenes professionals, de vegades amateurs o emergents… Tinc la sort que els grups munten les meves obres amb il·lusió, atrets pel text.

Quina és la teva gratificació, allò que et fa sentir més a gust a la professió?

Veure que els mons de ficció que he ideat -les històries i personatges que interpreten els actors a l’escenari- arriba, emociona, diverteix el públic. M’encanta veure les meves obres camuflat entre el públic, de manera anònima, i notar les seves reaccions. Sempre és una lliçó. I de vegades un plaer.

Una escena de l'obra Teoria de catàstrofes (2011)

Quins són, en definitiva, els millor moments del teu treball?

Quan comproves que s’estableix la comunicació entre l’escenari i el públic.

Em podries fer cinc cèntims de com treballes, com penses els projectes i com els vas materialitzant al llarg del temps?

Sempre escric perquè m’interessa el que vull explicar. Puc partir d’una idea, d’un personatge o d’una història però m’ha d’atraure molt. Per mi aquest interès és un impuls imprescindible. Trigo mesos o anys a enllestir una obra. Sense un interès fort, profund, estriparia el material al cap d’unes setmanes. En el procés vaig buscant les peces que em falten i començo a organitzar el material. Al cap d’uns mesos acostumo a tenir un esborrany amb escenes i diàlegs que començo a ajustar i reescriure una i altra vegada. En aquest punt sóc molt autocrític: penso que, si no em convenç a mi, no convencerà ningú.

Aquest procés està relacionat amb la demanda i els encàrrecs?

A la televisió sempre he treballat amb guions d’encàrrec, però al teatre només he escrit una obra teatral d’encàrrec: una versió lliure de La Metamorfosi, un monòleg per l’actor Boris Ruiz que es va estrenar al Teatre Borràs de Barcelona i es va publicar a la col·lecció de teatre d’Edicions 62. Em va encantar la feina i n’estic satisfet però la resta de la meva producció teatral l’he escrit exclusivament perquè m’ha vingut de gust. Per tant, fins avui, el conjunt del meu teatre no està condicionat per l’encàrrec.

En el meu cas i pel que fa al teatre, no. Si em surt una escena còmica és perquè l’obra m’ho demana. Si hi ha pocs personatges és perquè crec que el teatre necessita sintetitzar els conflictes i fer-los el màxim d’intensos. Els tràgics grecs tampoc posaven les guerres damunt l’escenari.

Et planteges alguna vegada què aporta el teu treball a la comunitat?

Les meves obres sempre tracten temes actuals, molt lligats a la realitat social, a les persones, a les condicions de vida. No sé moure personatges sense preguntar-me de què treballa, amb qui viu, com està anímicament, qui o què li complica la vida, quina responsabilitat té en allò que li està passant…

Cartell Viatge a California (2007)

En general, una visió una mica cínica de les relacions humanes. I també una relativització irònica de segons quins dogmatismes, del concepte del bé i el mal, per exemple… M’agrada plantejar les situacions, els conflictes, en clau de paradoxa, que tinguin varies lectures, una certa ambigüitat. Els meus personatges acostumen a dubtar i intento aconseguir que l’espectador dubti amb ells. Penso que la nostra societat avançaria si col·lectivament aprenguéssim a dubtar.

Quines son les principals problemàtiques que trobes a la teva feina com artista en general i també en particular dins de la teva especialitat?

La principal problemàtica de la persona que escriu teatre és que l’obra no existeix fins que puja a l’escenari. El text en el paper és literatura dramàtica, no espectacle. Cal doncs trobar director,  actors, productor, teatre… i muntar l’obra. Aquest procés, apassionant en molts sentits, pot resultar frustrant si el producte no aconsegueix encaixar bé tots els elements. El teatre, l’espectacle teatral, és una figureta de vidre que es pot trencar amb qualsevol desequilibri. Fins i tot el mateix espectacle resulta diferent a cada representació segons l’estat d’ànim d’espectadors i actors. Per això, quan funciona, resulta encara més gratificant.

Quin és el moment creatiu més important del teu treball: el moment de crear l’obra, el seu desplegament en el procés de creació, l’estrena de la peça, la repetició de l’obra al llarg del temps, les activitats de formació…?

L’estrena és un moment molt especial, amb força ressò, però poc rellevant pel que fa a l’obra i al procés creatiu. Per mi hi ha dos moments creatius essencials: la descoberta del material de partida (quan se’m desperta l’interès per escriure la peça sobre una idea, un personatge, una història) i la revisió de l’obra (les reescriptures que faig quan ja la tinc pràcticament enllestida, redescobrint el que m’interessa i expressant-ho amb la màxima precisió i intensitat). Són dos moments on em surt realment el que sóc, les meves inquietuds, els meus dubtes, les meves pors… No crec que es pugui escriure una bona peça de teatre sense treure la sensibilitat d’un mateix. Com tampoc no crec que es pugui escriure quan s’està massa sotmès a la necessitat de tenir èxit, d’agradar al públic, d’acomplir determinats objectius de producció. El teatre, les obres dels autors que a mi m’interessen, sempre han nascut de la llibertat creativa, del talent i de l’ambició. I segurament també de treballar dur i de tenir una mica de sort.

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Escrit per: Jordi Pisa Sànchez

Entrevista a José Luis Corral, autor de La prisionera de Roma y El Códice del Peregrino, en Editorial Planeta.

José Luís Corral es uno de los autores españoles actuales de novela histórica más prolífico. Ha publicado novelas ambientadas principalmente en la Edad Media, pero también nos ha hecho viajar literariamente a la Antigüedad y de la Edad Moderna.

José Luis Corral

Corral combina su actividad literaria con su ocupación como catedrático de Historia Medieval en la Universidad de Zaragoza. Es autor, asimismo, de libros de divulgación histórica como Historia de la pena de muerte (2004), Breve Historia del Temple (2006) o Una historia de España (2008) y de gran número de artículos de historia en diversas revistas. Además es colaborador habitual en medios de comunicación y revistas de divulgación y ha realizado diversas excavaciones arqueológicas.

Como curiosidad podemos comentar que asesoró a Ridley Scott en la realización, en el año 1992 de la película 1492. La conquista del paraíso.

La entrevista que os presentamos a continuación abarca principalmente sus dos últimas novelas, La prisionera de Roma (2011) ambientada en el siglo III d.C. y con Zenobia de Palmira como principal protagonista, y El Códice del Peregrino (2012), una obra de ficción e intriga histórica y policíaca sobre el robo del Códice Calixtinus en Santiago de Compostela el pasado mes de julio de 2011.

Profesor (catedrático) de historia en la Universidad, autor de una treintena de ensayos y libros de investigación histórica y de un gran número de artículos de historia, y escritor de éxito de novelas históricas… ¿En qué ámbito te encuentras más a gusto?
R: En todos esos trabajos me siento bien, pero cada vez me atrae más la enseñanza directa con los alumnos, utilizando los viejos métodos, ahora un tanto relegados, de la conferencia y el contacto con ellos. Pero escribir novelas me encanta, casi se ha convertido en una necesidad.

El Oriente romano y el siglo III d.C. no son escenarios habituales en la novela histórica más comercial, y menos en el ámbito español. ¿Por qué Zenobia y por qué Palmira?
R: Porque hace cuatro años visité Palmira, en Siria, en compañía de José Calvo Poyato, el gran novelista e historiador español, y me fascinaron las ruinas de esa ciudad del desierto. Recuerdo un amanecer prodigioso en medio de las ruinas que me empujó a escribir “La prisionera de Roma”.

El siglo III d.C. y el periodo de la Anarquía militar quedan muy lejos de los omnipresentes (en el cine, en la televisión, en la literatura, en el teatro…) emperadores Julio-Claudios. Háblanos un poco de tu visión sobre el periodo.
R: Es una época apasionante porque confluyen varias circunstancias extraordinarias: el caos y la crisis en el Imperio, las incursiones bárbaras en todas las provincias, el auge del cristianismo, el declive y decadencia del Imperio… Es una época en la que parecía que Roma se iba a venir abajo pero pese a los augurios contrarios todavía logró resistir dos siglos más. Y además, el siglo III es un vacío literario y de historias, por lo cual el novelista tiene más campo para imaginar.

En la novela, Zenobia nos es mostrada como una mujer exuberante y hermosa pero a la vez culta y con grandes ambiciones políticas. ¿Una excepción en la historia y en una época dominada por hombres?
R: Así es como la describen los pocos textos que hablan de ella. Zenobia debió de ser una mujer extraordinaria, pero al final fue rea de su propia ambición. No obstante, su condición femenina fue en este caso una ventaja, pues su belleza y su decisión deslumbraron a los hombres que la conocieron.

En la novela queda patente un “supuesto” parentesco entre Zenobia y Cleopatra, ¿dos mujeres con un destino parecido?
R: Zenobia ordenó escribir una genealogía en la que se hacía descendiente de la mítica reina de Egipto. Y sí, ambas sucumbieron de una forma similar aunque su historia no es paralela. Cleopatra se unió a Julio César y luego a Marco Antonio y al lado de ambos jefes romanos quiso mantenerse al frente de Egipto. Zenobia luchó contra Roma para crear un imperio nuevo en el que ella sería la soberana, para luego dejarlo a su hijo Wabalato.

Palmira se ubica histórica y geográficamente entre dos grandes mundos, entre dos grandes culturas, entre dos grandes imperios, como lo fueron el romano y el persa. Palmira, y su soberana Zenobia, tienen que vivir, en tu novela, en un frágil equilibrio entre estos dos enemigos, aunque depende, en gran medida, del comercio caravanero entre ellos. ¿Un contexto algo difícil, no?
R: Palmira era la ciudad más rica y opulenta del mundo porque estaba entre los dos imperios más formidables del siglo III, el romano y el persa. Pero a la vez esa fue su perdición. Roma necesitaba el sometimiento de Palmira para mantener asentada la frontera oriental ante los sasánidas, y los persas ambicionaban conquistar Palmira como cabeza de puente para asaltar las posiciones romanas en Siria y la costa del Mediterráneo oriental, y en esa situación, Palmira tenía las de perder.

En la novela hay un importante espacio para el amor: el principal el de Zenobia hacia su ciudad y la pasión amorosa entre ella y su general Giorgios; pero también el enamoramiento de Zabdas por su soberana o la relación entre Kitot y la esclava Yarai; sin embargo en el libro está poco presente la violencia, en un periodo caracterizado por ella. ¿Por qué?
R: En la historia ha habido violencia, pero no todo el tiempo está dominado por la violencia. Los cronistas del mundo antiguo, y de la Edad Media, han resaltado los hechos bélicos y sangrientos sobre todos los demás, y por eso da la impresión de que se vivía inmerso en un mundo en permanente conflicto. Pero los momentos de paz, o al menos de tregua, fueron mucho más abundantes que los de guerra, si no la vida hubiera sido imposible.

Un elemento importante de la novela es la ciudad de Palmira (Tadmor), su ambiente populoso y comercial, sus calles, su población, sus murallas, y el oasis y las palmeras de las que toma su nombre. ¿Una gran ciudad sede de un efímero imperio?
R: Una ciudad que debió de alcanzar los 50.000 habitantes, aunque algunos dan cifras mucho mayores, era en el siglo III una gran ciudad. Su ubicación en la ruta de las caravanas de Mesopotamia a Siria la erigió en un emporio comercial formidable, una meca del comercio y del lujo. En Palmira vivían los mejores comerciantes de su tiempo, allí se servían las mejores comidas y se vestían los más lujosos atuendos. Si pudo poner en pie un imperio, aunque fuera efímero, fue gracias a que el tesoro de que disponían sus soberanos era tan ingente que pudieron reclutar un ejército capaz de hacerle frente a Roma y a Persia.

Numancia (2003) y La prisionera de Roma (2011), dos de tus novelas ambientadas en época romana, están narradas desde el punto de vista de los “enemigos” de Roma (íberos y palmirenos). ¿Te interesa este ángulo desde el que nos relatas la historia?
R: La perspectiva de los derrotados es más interesante que la de los vencedores, y además, los que vencen en la historia ya tienen suficientes cronistas a su servicio para resaltar sus gestas. En mis novelas me interesa mucho el mundo de los sentimientos, porque no suelen tratarse en los libros de Historia. Y los sentimientos de los vencidos son los más emocionantes.

¿Hay algún otro personaje o periodo histórico que te atraiga, que te gustaría tratar, sobre el que pudieras escribir una nueva novela?
R: Soy medievalista, pero me atraen todos los periodos históricos. Publicado ya “El códice del peregrino”, ahora estoy inmerso en una novela sobre el siglo XVI, periodo que nunca he tratado en mis anteriores novelas y que me está fascinando.

En el género de la novela histórica existe, actualmente, un gran número de publicaciones. ¿Es difícil para un autor español sobrevivir en un mercado tan activo y donde los autores internacionales tienen tanto peso?
R: A mí me parece un “milagro” cuando veo alguna novela mía en los anaqueles o sobre las mesas de algunas librerías. En este proceloso mundo de los escritores, nunca se sabe qué libro va a tener éxito, qué autor va a ser del gusto de los lectores, o qué tema va a atrapar al lector. Y además en España suele apreciarse más al autor extranjero que al nacional, y eso que tenemos verdaderos gigantes de la novela histórica europea como el propio Calvo Poyato, Eslava Galán o Maeso de la Torre.

En el año 1992 asesoraste al director Ridley Scott en la realización del film 1492: La conquista del paraíso. ¿Cuál de tus novelas crees que podría adaptarse o tiene un mayor perfil cinematográfico?
Cualquier texto, si cae en manos de un guionista profesional, puede convertirse en el guión para una película. En mi caso, Prodigius compró en 2007 los derechos de mi novela ¡Independencia! para llevarla al cine, y sobre ella elaboró un magnífico guión Michel Gaztambide, pero llegó al crisis económica y se detuvo la producción cuando ya estaban casi todo programado. Yo creo que mi novela El Cid puede ser una película, aunque el precedente de 1961 dirigido por Thomas Mann puede ser un freno, y por supuesto, si hubiera dinero para una gran superproducción, La prisionera de Roma. Pero la más reciente, El códice del peregrino, podría llevarse al cine perfectamente, porque esa novela es en sí un guión cinematográfico.

Si las novelas históricas tienen un público fiel y en continua expansión, las novelas de misterio e intriga histórica como El Códice del Peregrino se han convertido en un elemento importante en las novedades y en las ventas literarias. ¿Cuál crees que es la clave de su éxito?
R: No lo sé, nadie conoce la clave del éxito de una novela. Imagino que en el género de misterio lo que desea la gente es sumergirse en la trama para pasar un  buen rato y olvidar, aunque sea por unas horas, las preocupaciones cotidianas.

En alguno de tus libros has sido más bien crítico con la bibliografía “pseudo-histórica” que explota temáticas como la relacionada con los “misterios de los templarios”. ¿Crees que en las novelas de misterio e intriga histórica se ha de cuidar la veracidad histórica a la hora de desarrollar la trama para no caer en estas “trampas”?
R: Cada autor es libre de escribir lo que quiera, faltaría más, pero el lector merece el máximo respeto, y es ahí donde yo critico a ese tipo de novelas que presentan una pura ficción como si se tratara de hechos reales. Y eso suele ocurrir en algunas novelas que se califican por sus editores de “históricas” pero que no lo son. Para fabular lo inverosímil ya está el género de ciencia ficción, que también tiene una legión de seguidores. Lo que no debe hacerse es confundir y engañar a los lectores.

¿Te sientes a gusto en el género del misterio histórico? ¿Es posible que, tras la publicación de Fulcanelli. El dueño del secreto (2008) y El Códice del Peregrino escribas más novelas de este tipo?
R: También lo hice con Fátima. El enigma de las apariciones (2009), donde invento una trama para intentar dar una explicación racional a los misterios de las apariciones que tuvieron lugar en 1917 en la localidad portuguesa de Fátima. La historia está llena de misterios y de enigmas y no renuncio a seguir con nuevas novelas en esa línea.

Los orígenes del cristianismo y los misterios vinculados con la figura, la vida y las enseñanzas de Jesucristo han generado, últimamente, mucha bibliografía. ¿Por qué crees que en una época tan “moderna” (incluso tan postmoderna) como la nuestra interesan tanto estos temas?
R: Porque el cristianismo ha vivido en una permanente convulsión ya que es una religión fundada por san Pablo sobre un dogma sorprendente y novedoso en la historia de la religiones: el nacimiento de un niño que es el hijo de Dios y a la vez Dios mismo. Ese misterio sí que es insuperable, por eso ha atrapado a tantos seguidores y tantas discusiones.

¿Crees, como historiador, que poseemos una imagen fidedigna de la figura de Jesucristo? ¿O crees que la historia o la Iglesia se han encargado de “distorsionar” la imagen de uno de los personajes que mayor repercusión han tenido en la historia de Occidente? ¿Podemos conocer al auténtico Jesucristo?
R: Nunca podremos llegar comprender por completo la figura de Jesús de Nazaret, porque desde el momento mismo de su muerte todo han sido prejuicios sobre su vida y su obra. Y por ello, el desenfoque ha sido permanente. En estos días estoy pensando en la elaboración de un ensayo en el que acercarme a Jesús como si se tratara de la biografía se h ser humano más, desprovisto del aura divina con la que ha sido rodeado.

Parece que es habitual en este tipo de novela, la presencia de una pareja de investigadores (hombre y mujer) protagonista. Tú la desdoblas en El Códice del Peregrino y tenemos una pareja que lleva a cabo el robo y otra que lo investiga. ¿Esto te permite desarrollar una visión más amplia sobre la sustracción ficticia del Códice?
R: Esas dos parejas me permiten establecer varios diálogos entre ellos y así poder explicar algunas cuestiones de un modo más directo. En el caso de los dos ladrones puedo dejar que hablen de sus sentimientos y sus miedos entre ellos, y en el caso de los policías que se intercambien información y opiniones obre el caso. Creo ese recurso literario da bastante juego.

¿Crees que un nuevo robo como el del Códice Calixtinus es posible? ¿Las medidas de seguridad que protegen muchas de las obras de nuestro patrimonio histórico y artístico son las adecuadas?
R: No sólo pienso que es posible, sino que puede volver a ocurrir en cualquier momento. El robo de obras de arte es un problema a escala mundial. Cada día se roban obras de arte en todo el mundo y España no es una excepción. Además disponemos de un patrimonio extraordinario que requeriría de muchas más medidas de seguridad, y no sólo de alarmas y vigilancia, sino también de educación y cultura.

Intriga, robos, misterio, actualidad, investigación policial, Jerusalén en el siglo I d.C., luchas por el poder en la Edad Media, los restos del apóstol Santiago, ¿Alguno de estos ingredientes temáticos destaca sobre los otros en tu novela?
R: He intentado mezclar todos esos momentos y situaciones y relacionarlos de un modo coherente en la novela. La trama es compleja, pero estoy muy satisfecho con el resultado, y más teniendo en cuenta que la he escrito en cinco meses.

¿Qué crees que puede haber sido del Códice Calixtino en realidad?
R: No lo sé. Pero conforme pasa el tiempo y al ver que el manuscrito no aparece, temo que lo tenga en su poder un coleccionista, y en ese caso no se recuperará en muchos años. Aunque deseo que se reintegre pronto a su lugar en el archivo de la catedral de Santiago.
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Jorge Pisa Sánchez (Culturalia)

Entrevista a Laurent Binet, autor del libro HHhH, Premio Goncourt 2010 de primera novela.

Entrevista a Laurent Binet, autor del libro HHhH, Premio Goncourt 2010 de primera novela.
Autor: José A. Muñoz, Revista de Letras.

Llevamos una temporada repleta de sorpresas literarias. Entre ellas, HHhH, novela de curioso título (es el acrónimo de “Himmlers Hirn heisst Heydrich” -”El cerebro de Himmler se llama Heydrich”) que acaba de publicar Seix Barral y que obtuvo el año pasado el Premio Goncourt a la mejor primera novela. En ella, Laurent Binet desvela la gestación, en 1942, de la “Operación Antropoide” con el objetivo de asesinar en Praga a Reynhard Heydrich, jefe de la Gestapo e impulsor de la denominada “Solución final”, el plan para exterminar a los judíos durante la II Guerra Mundial. El checo Jan Kubiš y el eslovaco Jozef Gabčík fueron los seleccionados por la Dirección de Operaciones Especiales de Churchill para llevar a cabo la misión. Tras cometer el atentado, en un primer término fallido pero que acabó con la vida de Heydrich debido a las heridas provocadas, llevó a terribles represalias, iniciándose una serie de ataques de los alemanes que alertaron al resto de naciones sobre la barbarie nazi, acelerando el proceso para acabar con Hitler.

Binet, profesor de Literatura y crítico, nos brinda la posibilidad de conocer los hechos pero, también, adentrarnos en el proceso de la creación literaria. HHhH es, en ese sentido, un libro sobre la escritura, un ensayo que desvela los secretos y las técnicas que hacen posible armar una novela de corte histórico, repleto de referencias culturales y de reflexiones acerca de lo que representa recrear la verdad sin recurrir a la ficción.

Desgraciadamente, en el corto espacio que se nos ofrece para hablar con él, no podemos abordar más que una pequeña parte de las inquietudes que despierta su obra. Pero creo que servirá para animar a conocerla.

Se hace difícil preguntarte cualquier cosa sobre la gestación del libro, porque está todo ahí, basta con leerlo.

Sí, no es fácil para los periodistas.

HHhH es un desnudo integral del escritor, con sus dudas, sus técnicas…

Asumí el riesgo. Tenía que interrumpir constantemente la acción, mostrando mi trabajo y cómo iba desarrollando la novela, pero como lector era algo que siempre me había interesado. La gente tiene interés en los making of de cine y de reportajes, ¿por qué no lo van a tener respecto a una novela? Lo que he hecho es integrar ese “cómo se hizo” a la narración. Hay muchos referentes que me gustan. ¿Conoces Looking for Richard, de Al Pacino?

Laurent Binet

Hay gente que me ha preguntado si yo había inventado este género, cosa que me halaga, pero ni por asomo. Hay uno muy próximo a mi obra, que es Maus, de Spiegelman, donde podemos ver al autor discutiendo con su padre sobre la memoria.

¿En qué momento te planteaste escribirla, no solo como una novelización de la “Operación Antropoide”, sino también como un relato del propio proceso de escritura?

No lo había meditado previamente, pero surgió desde la primera página. Me encontré con la problemática de cómo explicar una historia totalmente verídica y pensé interesante invitar al lector a formar parte de mis reflexiones respecto a esos dilemas que fueron surgiendo.

De hecho, al principio del libro, hay una reflexión de Kundera sobre la creación de personajes y, en base a esas ideas, el libro expone de manera crítica las libertades y licencias que se permiten los autores de novela histórica.

Totalmente. He leído muchas novelas históricas que me han gustado, pero la mayoría asumen como modelo las formas marcadas por Alejandro Dumas, quien tomaba una base histórica rellenando los agujeros con la ficción. Considero que se noveliza tanto en el género histórico que quise ofrecer una alternativa. Me parece perezoso cubrir los hechos o detalles que no se conocen inventándose cosas y tergiversándolo todo, a veces con hechos totalmente imposibles.

El planteamiento, como decías antes, no es nuevo, pero sí me parece poco común que sea a través de tus reflexiones sobre la creación literaria como el lector va conformando la historia que pretendes narrar.

Me apetecía que el lector participara. Concebía el libro como una conversación con él.

El nivel de autocontrol para no intercalar ficción y buscando la veracidad habrá sido agotador. Incluso tu pareja, en un momento del libro, te reprocha que te estés inventando algún detalle.

La tentación estaba siempre presente, el libro es una lucha constante contra la novelización haciendo uso de invenciones. A veces cedo y, aunque debí eliminar esas partes imaginadas, he preferido dejarlas porque nutren la discusión sobre la novela histórica. Lectores como Natacha permiten que esos pasajes no invadan el texto, estaba alerta a cualquier libertad que pudiera escapárseme de las manos.

Todos sentimos atracción por los malvados. Como en la mayoría de historias, llegaste a Heydrich a través de los héroes. ¿Te atraía más la trama de los paracaidistas que atentaron contra el líder de la Gestapo?

Sí, el punto de partida era la “Operación Antropoide” y el acto heroico de resistencia. Entonces vi que había una historia detrás del atentado, que era la de Heydrich. No estaba previsto, pero la primera parte de la novela consistía básicamente en esto.

¿Lo que más te interesaba narrar era el asedio en la iglesia?

Las dos escenas por las que el libro se va desarrollando son las del atentado y la del asedio en la cripta. Son trescientas páginas que van preparando al lector para ellas. Se trata de escenas de acción y quería narrarlas como tales. Siento un poco de piedad por los lectores cuando pienso que tienen que esperar tanto. Lleno el libro de reflexiones hasta llegar a esos grandes momentos que son puramente narrativos.

Los diez años dedicados al libro te habrán deparado muchas sorpresas. ¿Qué fue lo que más te sorprendió de Heydrich?

Reinhard Heydrich

Lo que más me impresionó de toda la investigación fue contemplar las huellas de la lucha que permanecen intactas en la cripta.  No siento esa fascinación que decías antes hacia el mal. Más que su dimensión maléfica lo que me sorprendió de Heydrich fue su eficacia en muchos aspectos. Tiene un lado muy novelesco, era un gran violinista, practicaba la esgrima, pero su fuerte era la burocracia. Era un policía de raza. Leyendo la biografía de Joseph Fouché que escribió Zweig encontré ciertos paralelismos entre el político francés y el oficial alemán. Si Fouché hubiera estado en el Tercer Reich sería como Heydrich, al igual que si éste hubiera formado parte del imperio napoleónico tendría las mismas cualidades que Fouché.

El de documentación es un trabajo que nunca se acaba. Cuando se hace sobre hechos históricos siempre aparece información una vez publicado el libro.

Lo sé, cuando acabé me quedé con la sensación de que era una historia que no acababa. Muchos lectores me han escrito ofreciéndome información y anécdotas familiares, lo que me parece desconcertante. Un señor de Londres me escribió diciéndome que había conocido a una amante de Heydrich y que ella le había dado la acreditación con la que había ido a los Juegos Olímpicos de Berlín para acompañarle. Me da pena no poder incluir algunas cosas de las que me he enterado posteriormente pero, por otra parte, si no lo hubiera publicado no habría conseguido ese otro material facilitado por quienes lo han leído. En cualquier caso, no considero que HHhH sea el libro definitivo sobre este episodio de la Historia, aparecerán muchos más, espero.

Comentas en algún pasaje sobre las novelas históricas que no te gustan los diálogos. ¿Has procurado no incluir muchos en HHhH por eso, o es que tampoco te gusta escribirlos?

Es un asunto complicado. Considero que es lo más difícil para un novelista y me resulta casi imposible encontrar buenos diálogos. Yo mismo soy incapaz de hacerlos. Sin embargo mi proxima novela será muy dialogada, así que tendré que empezar a aprender. Me gusta mucho cómo los escribe Bret Easton Ellis, son magníficos. Le he releído para intentar encontrar el secreto y no lo he conseguido. Llegué a preguntárselo en una entrevista pero no quiso revelarlo.

Quizás debería escribir un libro como el tuyo.

No creo que lo haga (risas). Para mi novela, los diálogos eran una forma de recreación a la que me negaba, prefería mostrar la documentación en bruto. Incluso incluir un testimonio que se explique mediante diálogo me parece artificial porque, aun estando su declaración grabada en audio o vídeo,  siempre se recrea y se cambian detalles…

José A. Muñoz
http://www.revistadeletras.net/

Entrevista a Iván Romero. Autor y director de teatro. Cía. Les Maniquís.

Hace poco se estrenaba en el Teatre Riereta ¡Oh, Itimad, Itimad!, el nuevo espectáculo teatral de la Cia. Les Maniquís, escrito y dirigido por Iván Romero, una nueva apuesta por un teatro de “género distópico” (o anti-utópico) que reflexiona sobre la sociedad actual situando la trama argumental es un futuro oscuro y autoritario.

Culturalia inicia una nueva sección de entrevistas con una conversación “telemática” mantenida con Iván Romero, parte del alma de Cia. Les Maniquís, en la que nos habla de su carrera, de sus proyectos, del teatro, y de paso, y como buen autor distópico, reflexionamos sobre el presente y el futuro.

¿Cuál es el origen de ¡Oh, Itimad, Itimad!? ¿Por qué ¡Oh, Itimad, Itimad!?

La chispa me la dio un programa de televisión: Generación Ni-Ni. Lo emitían en La Sexta, en Prime Time. Me enganchó. Era telebasura. Generación Ni-Ni se basaba en seguir a una serie de adolescentes problemáticos que ni estudiaban, ni trabajaban. Sus actitudes, sus reacciones ante las dificultades, sus conversaciones… me parecieron material sensible de primera calidad. Se percibía en ellos el fracaso de nuestra sociedad y la crisis de valores por la que atraviesa Occidente. En “Normas para el parque humano” el filósofo Peter Sloterdijk hace un repaso de la decadencia del humanismo desde el siglo XIX hasta la actualidad y sugiere que éste ha muerto, que ha perdido la batalla contra la tecnología y el progreso. Lo importante es no cuestionarse absolutamente nada, ser una pieza más en el engranaje tecnócrata, un ladrillo más en el muro (Another Brick in the Wall, Roger Waters).

El porqué de ¡Oh, Itimad, Itimad! es porque, si no la montaba este año, sería incapaz de montarla más tarde. Tengo una hija de seis meses y cuando le veo esos ojitos tan vivos me niego a sentir que no hay futuro. Así que era ahora o nunca. Con sus errores y con sus aciertos.

¿Cuál ha sido la respuesta del público y de la crítica?

¡Uf! Hemos tenido cinco pases y las sensaciones han sido muy diferentes. Por lo general el público se mantiene en tensión. La ciencia-ficción distópica implica cierto distanciamiento con el personaje. Esa disociación está buscada. ¡Oh, Itimad, Itimad! no pretende que empatices con los personajes de buenas a primeras, ni que sientas lo mismo que ellos. Simplemente se trata de entrar o no entrar en el juego. En Urna 321 el discurso era más suave porque los personajes no estaban tan locos, y porque el tema, el mundo de la estética, la obligación de mantenerse siempre joven y la democracia autoritaria de las multinacionales (partidos-empresas), le daba cierto colorido a la historia. ¡Oh, Itimad, Itimad! es una historia de desterrados, no hay salida y la tensión dramática es mayor. Todo ocurre en el mismo lugar. Aún así, me he llevado una gran sorpresa. Pensé que el espectáculo funcionaría mejor en espacios grandes pero no es así. Cuando noté más conexión con el público fue en los pases del Teatre Riereta. La proximidad del espectador ayuda mucho. Críticas ha habido de todos los colores, buenas y malas. De todas se ha de sacar algo, digo yo. Benditas sean. Que se hable de ¡Oh, Itimad, Itimad! me gusta. Sea para bien o para mal, pero que se hable. Cía. Les Maniquís monta obras para que la gente piense, se entretenga y critique, por supuesto. Tengo cinco guiones de largometraje en mi cajón de los cuales no se ha dicho nunca nada porque son inertes, no existen (el guión no tiene valor como obra literaria si no se rueda la película). Ojalá que de alguno se llegue a hablar algún día. Hay uno que va por buen camino. Crucemos los dedos.

Como buena obra distópica ¡Oh, Itimad, Itimad! nos presenta un esbozo de un futuro amenazador, restrictivo y autoritario para la humanidad. ¿Crees que nos dirigimos hacia algo parecido?

Los actores de ¡Oh, Itimad, Itimad!

El 1% de la población mundial controla los medios de producción y sus beneficios son desorbitados. El resto sobrevive. Si ese 1% quiere seguir manteniendo su posición algo debe hacer, digo yo. Es de cajón. Por eso mismo se endurecen las leyes, se controla el espacio público hasta límites insospechados –todavía no lo han conseguido porque sencillamente es imposible-, los mossos d’esquadra parten piernas como los Dialogadores en ¡Oh, Itimad, Itimad!, los despidos se abaratan a una velocidad vertiginosa, la conciencia de clase ha desaparecido casi por completo, los medios de comunicación obedecen a la voz de su amo, los servicios públicos se privatizan y se produce cultura como mero entretenimiento. Pensar por ti mismo no es bueno. Si a lo largo del siglo XX se han criticado desde el mundo capitalista los regímenes comunistas por ser uniformes, de pensamiento único y por restringir la individualidad, se da la paradoja de que el sistema neoliberal pretende exactamente lo mismo, obtener una masa “bienpensante”, controlada y subyugada a una élite. Si bien en los países comunistas –los pocos que quedan- esa élite es el partido único, aquí la conforman una serie de tecnócratas, banqueros y demás rémoras. La democracia liberal ha fracasado. Los gobiernos no gobiernan, gobiernan las multinacionales y su cuadrilla de estadistas. El bipartidismo es una muestra clara de dictadura de mayorías. Cada uno de los dos partidos que se alternan en el poder en España lleva consigo a sus empresarios afines. Pero confío en que esto cambie. Soy optimista. Ha nacido una nueva forma de movilización, incontrolable de momento, la red y la telefonía móvil. El movimiento 15M acaba de surgir. Algo tarde, sí. Pero la semilla ya está sembrada.

¿Son nuestros sueños la última propiedad privada de la que podremos disponer en el futuro?

No lo creo. Hay un lavado de cerebro tremendo. Los sueños se asocian directamente a lo material. El otro día leí en no se que diario que un tipo había vendido su riñón para obtener un I-Phone. La publicidad se mete en el subconsciente colectivo de la gente. Se hacen estudios de mercado muy concienzudos. Mac Donald’s, por ejemplo, basa su campaña en atraer el consumo infantil. Es muy fuerte. He trabajado en publicidad de forma casual y de hecho introduzco spots en todas mis obras. Me gusta mezclar lenguajes. En Urna 321 aparece un anuncio de antidepresivos llamados NES (No estés solo). En ¡Oh, Itimad, Itimad! destaca el anuncio de un resort-asteroidal llamado Itimad. Todos se han creído la mentira de Itimad. Excepto Chandra que, cuando cae en la cuenta de la manipulación, es demasiado tarde y ya nadie la cree. La crisis en la que estamos metidos viene provocada en cierta medida por el materialismo. Gente sin formación, del extrarradio, vestidos de pingüinos, cambiando de móvil cada quince días, cobrando comisiones millonarias por pisos vendidos, con tres coches, piso, segunda y hasta tercera residencia… Muchos de ellos ahora van a comedores sociales.

Urna 321 nos mostró una sociedad que seguía las normas estipuladas en el futuro y a varios personajes que se negaban a seguirlas (querían tener hijos, gozar del amor…). ¡Oh, Itimad, Itimad! nos muestra cuál es el resultado de oponerse a las directrices impuestas desde arriba. ¿Habrá un tercer capítulo de la saga? ¿Cómo será?  

De momento estoy escribiendo un monólogo en la misma línea que Urna 321. Lo presentaremos en septiembre, si todo va bien, en Madrid, en el Microteatro Por Dinero. Se trata de un monólogo de 15’ aprox. interpretado por Núria Granell. Una microbra. Con esto seguramente cerraremos el tríptico de ciencia-ficción. Tengo un proyecto esbozado, también de ciencia ficción. Me gustaría jugar con estructuras narrativas diferentes. Siempre me he sentido atraído por la estructura de cajas chinas, historias cortas superpuestas pero, en vista de las dificultades que hemos tenido con Urna 321 y ¡Oh, Itimad, Itimad! creo que lo mejor sería aparcar el proyecto. La estructura de cajas chinas implica en el espectador un juego peligroso porque muchas de las historias no cierran nunca y eso es perturbador. Si encima construyes mundos a priori completamente alejados de la realidad, el público se despista más. Así que, casi con toda seguridad, dejaré el material (dibujos, esbozos, notas y fichas de personajes) en el cajón. Otro motivo es el dinero. No puedo financiar más locuras distópicas. ¡Sólo tengo pérdidas! Sin dinero para levantar un proyecto como el que tengo en la cabeza es un suicidio seguir.

Uno de los personajes principales de ¡Oh, Itimad, Itimad! Jan, es un joven caprichoso al que sus padres han educado permitiéndole y concediéndole todo aquello que ha querido. ¿Una crítica a la sociedad y a la educación actual en el mundo Occidental?

Jan es un hijo despótico y mutilador.

El sistema educativo de éste país es un fracaso. Ver a dos chavales, un martes a las 10 de la noche, borrachos perdidos, tirados en un vagón de metro, es una imagen desoladora. La verdad es que no hay opciones. Si te instruyen en un programa informático que dentro de un año o quizás diez en el mejor de los casos, acaba siendo obsoleto, ¿para qué te formas? La evolución del ser humano, como especie, va a un ritmo mucho más lento que la evolución tecnológica. De qué me sirve a mí saber el funcionamiento del código binario si no se ni redactar una carta. Si las humanidades se aparcan, si la comprensión lectora es deficiente, la especie humana acaba en el abismo. Antes muchos chavales querían ser médicos o bomberos o profesores. Ahora muchos quieren ser famosos, salir en la tele y ya está. Jan no está alejado de nuestra sociedad. Es un producto del desquicie de la vida en la Nave Nodriza. Ésta no es más que un reflejo de nuestras vidas pero exagerado, pasado de vueltas. Es más, Jan se proyecta en la Nave Nodriza como un Ofreciente. Él, si volviera algún día –caso imposible- querría ser el dominante, el que da los vales de compra al resto de desgraciados consumidores.

Dibujas, además, toda una serie de personajes vacíos que necesitan, para seguir adelante, la dirección de un carácter superior, que hallan en la Concienciadora Shani. ¿Las personas, la sociedad, necesita siempre del lideraje y de la supervisión, de alguien o de algo que la guíe y la obligue?

Sí. La vida está abierta al misterio. Hay cosas que no se pueden explicar científicamente. Es ahí donde el fenómeno religioso juega un papel importante. No soy quién para juzgar la fe de nadie. La fe es fe y la ciencia es ciencia. Son dos líneas paralelas, sin puntos en común. Lo que sí se puede cuestionar, de todas todas, es la institucionalización del fenómeno religioso, la falacia de la iglesia y sus dogmas. En ¡Oh, Itimad, Itimad! están las dos vertientes: la razón, encarnada por el Instructor Ravi y la mística, encarnada por la Concienciadora Shani. Pero se da la paradoja de que los dos predican lo mismo: el Código General de Nave. Lo que me lleva a la conclusión, extrapolándolo a la realidad, de que la institución eclesiástica acabará devorada por el leviatán neoliberal y terminará por difundir sus propias premisas, si no lo está haciendo ya. Hace unos años, la iglesia irlandesa, con el afán de adquirir nuevos acólitos, usó la famosa imagen del Che como icono de Jesucristo. ¿Marqueting? ¿Publicidad? ¿Desesperación? Shani escoge la opción de Concienciadora para sacar adelante a su hermana Shukra al quedarse huérfanas. ¿Realmente siente lo que siente o es una impostora? Muchos sacerdotes, ¿sienten a Dios o son unos impostores? El caso de Ravi es más curioso aún porque pasa de ser racional, instruyendo a Jan en el Código como si de un profesor de ética se tratara, a venderlo como el Mesías, el Redentor. Desgraciadamente, gran parte de la sociedad, necesita líderes. Y estos están todos en la televisión: presentadores, modelos, concursantes… Al final, parafraseando al poeta Omar Jayyam: “El mundo es un grano de color en el espacio. La ciencia de los hombres es pasajera.

¿Cuál es el futuro que te gustaría describir en tus obras? ¿Vamos hacia él?

Una anarquía serena. Sin pistolas. Sin líderes venerados como a dioses. Una anarquía constructiva, colaboracionista, participativa, ecológica, sin ejército, sin banderas, sin fronteras, basada en el respeto mutuo. Una educación que no se base en la competitividad. Una sanidad pública y universal. Dejar de ver a viejitos buscando en los contenedores de basura. Desmontar la idea de crecimiento como progreso. La especie humana necesita decrecer. Borremos de nuestro vocabulario la palabra progreso. Cuánto daño hace esa palabra. Obviamente no vamos hacia ese mundo, pero quizás, algún día, nos podamos acercar. Quiero ser optimista. Debo serlo.

¿Cuáles son tus próximos proyectos? ¿Creo que me hablaste también de una novela?

A parte de Cía. Les Maniquís estoy con un monólogo y con el guión de un documental. No puedo desvelar mucho más. Tampoco hay financiación. Es como si estuviera siempre bailando en el filo de la navaja. ¡Uf! ¿Si supieras la cantidad de veces que se me pasa por la cabeza dejarlo todo? Respecto a la novela, necesito estabilizarme un poco para poder escribir con calma. Con el estómago lleno se escribe mejor.

¿Nos puedes hablar un poco de la historia de la compañía y de vuestra forma de trabajar? ¿Cuál es vuestro proceso creativo?

Una escena de Urna 321

Bueno, pues la compañía nace a finales de 2009. En realidad es una asociación cultural. El origen de todo es cosa de Núria Granell. Nos conocemos desde el 2002 más o menos. ¡Uf! ¡Cómo pasa el tiempo! Mientras yo estudiaba guión y dirección cinematográfica en el CECC, ella estudiaba interpretación en el Col·legi de Teatre. Por aquellos años intentamos fundar una compañía. Bueno, más bien continuar la que ya tenía Núria, Cia. Pendencias, si no recuerdo mal. Pero el grupo estaba blando, apenas si teníamos experiencia y la cosa naufragó a las primeras de cambio. Yo seguí con mi camino, centrado en el guión de cine y ella en el suyo, en el teatro. Ella siempre me decía de cambiar, de dar un paso hacia el teatro, pero a mí me costó mucho, soy muy cabezota. Le tengo mucho respeto al teatro y aún sigo sintiéndome como un intruso en la materia. Durante el verano de 2009 terminé Urna 321 y en cuanto Núria leyó el texto pusimos a punto la maquinaria. Hicimos un grupo: Karina Gomila, Aina Tomàs, David Blanco y Jared Grange y pudimos estrenar en el Auditori de la Farinera del Clot (23/1/10). Ahora la compañía la formamos: Núria Granell, Aina Tomàs y un servidor. Del elenco de Urna 321 repiten en ¡Oh, Itimad, Itimad! David Blanco, en el papel de Ravi y Núria Granell, en el de Chandra. Llevar a cabo ¡Oh, Itimad, Itimad! ha sido complicado. Y más teniendo en cuenta el bajísimo presupuesto del que partíamos. La ciencia ficción normalmente es cara pero con bastante ingenio se pueden solventar muchas cosas. Por ejemplo, el huevo o mini-cápsula de Jan ya estaba a medio hacer antes de empezar a escribir el texto. Contar con Javi Chamizo en la escenografía fue un gran acierto. Él también se encargó de la puesta en escena de Urna 321. Es muy imaginativo, un talento. Los bocetos de vestuario son cosa mía, los patrones son de Aleix Molinero y el trabajo de corte y confección lo llevaron a cabo Lorena Gómez y Gladys Castorseno. Un trabajo impecable, sobresaliente. En el apartado de interpretación ya tuvimos más problemas. Los ensayos empezaron en octubre del año pasado pero a partir de enero tuvimos varias bajas para un mismo personaje, Shani. La última en entrar fue Noelia Izquierdo a pocos meses del estreno. Es el mismo problema de siempre, al no tener presupuesto, los actores se han de buscar la vida y se van a mitad de proceso o bien no se quieren comprometer.
Yo parto de la idea de que el actor es inteligente, creativo y con criterio. No soporto al actor que no opina, que no aporta, que se considera un muñequito del director y mimetiza consignas a pies juntillas. En este aspecto he tenido mucha suerte, la verdad. Oriol Roca está enorme en su papel de Jan, Núria Granell y David Blanco, los padres de la criatura, hacen un trabajo realmente interesante, ellos mismos han buscado esa locura, esa histeria que emanaba del texto. Las hermanas Shani y Shukra, Noelia Izquierdo y Maialen F. Boncompte, aportan esa chispa necesaria a la obra, son una revelación. Todos, sin excepción, han creado ellos solos sus personajes. Yo apenas doy consignas, les guío un poco y ya está. Lo importante es disfrutar del trabajo, que todos participen.

¿Qué es el teatro para Cia. Maniquís?

Ensayo de ¡Oh, Itimad, Itimad!

El teatro es ese gusanito en la tripa justo antes de una función. Es un medio artístico y de comunicación directo, en tiempo real, orgánico. Yo personalmente vengo del mundo del cine y he notado cierta diferencia entre ambos mundos. El ambiente del cine es más snob, las relaciones laborales son mucho más difíciles y la censura es brutal. Un guión de cine, hasta llegar a producirse, pasa por cientos de modificaciones. Algunas acertadas, otras son simplemente censura, autocensura. Que si eso no funcionará, que si lo otro hay que suavizarlo, ahora esto me lo cambias porque lo va interpretar fulano de tal y ya sabes que… Mediocridad. Mediocridad es lo que al final se llega a producir. Es una lástima. La autocensura es mutilación. En el teatro me siento libre. Hago lo que quiero y eso no tiene valor. De todas formas adoro el cine y seguiré trabajando en guiones siempre y cuando me los paguen, claro está.

¿Por qué el género distópico en vuestras producciones teatrales? Un género, por otra parte, poco trabajado en el teatro en general, ¿no?

Pues sí. Yo todavía no he visto ningún espectáculo igual, la verdad. Alguien tenía que hacerlo. Hemos aprendido mucho, tanto en Urna 321 como en ¡Oh, Itimad, Itimad! Somos diferentes y eso está bien. Pero tenemos que seguir trabajando. No sé si nos conviene continuar en la misma línea. Ya veremos.

Utilizáis también un estilo de comedia en vuestras producciones, ¿algo que os aleja un poco del género?

Sí. Nos aleja del género en cierta medida. Buscamos un sello propio, una forma diferente de contar historias distópicas. No queremos hacer un 1984 de Orwell porque eso ya está hecho. Queremos aportar nuestro granito de arena al género, sin más. Y para ello, qué mejor que añadir un poco de sentido del humor a la cuestión. La comedia es la mayor de las tragedias. Uno se ríe del más desgraciado, siempre. De todas formas, el humor que desprende ¡Oh, Itimad, Itimad! es cruel, cínico. Nada que ver con la comedia tradicional.

¿Cuáles son vuestros referentes al trabajar en este género?

Las novelas de narrativa distópica en general (1984, de Orwell; Un mundo feliz, de Huxley; Fahrenheit 451 de Bradbury…). Por otro lado, El juego de Ender de Scott Card también me influyó mucho. Pero lo que más me ha influido, sobretodo en ¡Oh, Itimad, Itimad! fue el descubrimiento de un cómic maravilloso, sencillamente genial: “Historias de taberna galáctica” de Josep Maria Beà. A él le debo muchas ideas y reflexiones. Conecto muchísimo con sus historietas, sus dibujos y su forma de entender el futuro. Interesantísimo.

Barcelona es un buen escenario para el teatro de producción propia / de pequeño formato? ¿Halláis apoyo por parte de los teatros y las administraciones?

No. Son todo problemas. El primero: el espacio. Buscar local de ensayo es una tarea muy complicada a no ser que alquiles un local, pero para eso has de tener presupuesto. A más cerca del centro quieres ensayar (centros cívicos), más difícil te lo ponen. Hay algunos cuchitriles en centros cívicos que tienes que pagar la hora de ensayo a tres o cuatro euros. El segundo: el idioma. No pienso traducir ningún texto mío al catalán para que me den lugar de ensayo. ¿Estamos locos? Esto me ha sucedido. Soy catalán y tengo muchas cosas escritas en catalán (Urna 321, por ejemplo) pero si el texto esta en castellano se hace en castellano. Ojalá supiera inglés. Hay algo que me molesta mucho, si yo fuera de Logroño, por ejemplo, a muchos no les importaría que presentara mis proyectos en castellano pero al ser de aquí, parece que haya gente que se sienta ofendida. Yo soy producto de la inmigración de los años sesenta y cada vez veo más claro que el fenómeno de la integración que nos venden desde arriba es una falacia. ¿Integración? A mi barrio no llegó el metro hasta el 90, ¿dónde estaban los políticos que ahora hablan de ejemplo de integración? Todavía recuerdo a Jordi Pujol en un concierto de Los Chunguitos en Santa Coloma, eso sí que es dantesco, como diría Pedro Piqueras. El tercero: subvenciones. Si no eres nadie, si no tienes a nadie relativamente famoso en el elenco… pocas opciones tienes. El idioma y los temitas estrella de las instituciones (integración-racismo-malos tratos), hacen el resto. ¿Cómo vamos a pedir una subvención con ¡Oh, Itimad, Itimad!? Ni se nos pasó por la cabeza. Actualmente ensayamos en el C. Cívic Bon Pastor y estamos la mar de contentos. Nos han tratado muy bien y nos ayudan en todo. El futuro de esta ciudad está en las periferias. El centro está totalmente prostituido. Barcelona es una ciudad que tanto te da, tanto te quita. Es la apariencia en estado puro. Los teatros de la ciudad funcionan igual. Has de ser muy machacón. Ir detrás continuamente. Menos mal que está El Teatro Riereta, el Llantiol, el Ateneu Popular 9 Barris y la posibilidad de entrar en la Mostra de Teatre de Barcelona, si no, las posibilidades de estrenar un espectáculo, para alguien que empieza, son prácticamente nulas.

Habéis sido seleccionados en la Mostra Teatre Barcelona v.2.0 organizada por el Teatre del Raval. ¿Una oportunidad?

Sí. Un sitio más donde presentar la obra. Si no fuera por la Mostra ahora tendríamos un bolo menos en nuestro currículum. Has de luchar por cada bolo a muerte. Conseguir diez bolos es increíble. Un éxito total. ¿Vale la pena? Es la eterna lucha de David contra Goliat. La Mostra está muy bien pero agota. Llevar a gente al teatro lleva mucho desgaste. Tus amigos pueden venir a una función pero no repetirán. Llega un momento en el que el concurso, que durante las primeras fases va por afluencia de público y votación, deja de tener sentido. ¿Cómo voy a tirar de amigos a cada eliminatoria que pase? Es muy difícil. Aún así estamos muy contentos de haber participado.