Este mes de agosto llega Those About to Die, una nueva serie ambientada en el Imperio romano que hará las delicias de aquellos y aquellas que estamos a la espera del estreno de Gladiator 2, el próximo 15 de noviembre. Una series ambientado en el reinado del poco cinematográfico y televisivo Vespasiano, dirigida por Roland Emmerich y Marco Kreuzpaintner e interpretada por Anthony Hopkins, Iwan Rheon, Sara Martins, Jojo Macari ,Moe Hashim, Tom Hughes, Gonçalo Almeida, Dimitri Leonidas.
Una ficción de 10 capítulos que nos transportarán de nuevo a la arena del Coliseum para ser testigo de la grandeza y también, por qué no, de la vileza de un imperio que dominó el mundo mediterráneo durante siete siglos y dio forma al mundo occidental.
Sinopsis Roma, año 79 d.C. El centro del Imperio Romano es la ciudad más rica del mundo, y existe una gran afluencia de esclavos del creciente imperio para encargarse del trabajo. Se mantiene a raya a la población romana – aburrida, inquieta, y cada vez más violenta – gracias a dos cosas: pan y circo; sangre y deporte. Y cuando el gusto del pueblo por el entretenimiento se vuelve más sanguinario, se diseñará un estadio especialmente para los combates de gladiadores: el Coliseo.
Título: Those About to Die Año: 2024 Duración: 10 capítulos de 60 minutos País: Estados Unidos Dirección: Robert Rodat (Creador), Roland Emmerich, Marco Kreuzpaintner Guión: Robert Rodat, Jill Robi Novela: Daniel P. Mannix Reparto: Iwan Rheon, Sara Martins, Jojo Macari ,Moe Hashim, Tom Hughes, Gonçalo Almeida, Dimitri Leonidas, Gabriella Pession, Rupert Penry-Jones, Anthony Hopkins, Pepe Barroso, Eneko Sagardoy, Kyshan Wilson, Alice Ann Edogamhe, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Alessandro Bedetti, Martyn Ford, Jarreth J. Merz Música: Andrea Farri Coproducción: Estados Unidos y China Compañías: Centropolis Entertainment, High End Productions, Hollywood Gang Productions, Peacock, Street Entertainment, AGC Television Distribuidora: Peacock, Amazon Prime Video Género: Serie de TV; Acción; Drama; Historia; Antigua Roma; Esclavitud
El thriller es un género poco habitual sobre los escenarios, dedicados muy especialmente a la comedia y la tragedia y a las múltiples mezcolanzas entre ellas. Por ello, Malamort de Daniela Feixas en la Sala Beckett nos ofrece una propuesta diferente a las habituales, en la que la intriga, las creencias y la pérdida están muy presentes.
«Judit, una agente rural destinada recientemente a un pueblo de alta montaña, recibe la extraña llamada de un vecino, Ton. El hombre ha perdido el gato de su hija, Laura. El animal fue un regalo del hermanastro de la chica, Alex, por su último cumpleaños y el hombre, extrañamente afectado por el hecho, pide al agente que le ayude a encontrarlo. Ella se implicará en la búsqueda del animal perdido. Poco a poco irá descubriendo la carga de superstición y los hechos inconfesables que se esconden bajo la aparente cotidianidad de los habitantes de un pueblo al que resulta mucho más sencillo entrar que conseguir escapar».
Malamort sigue sobre el escenario la estela de los relatos criminales que están ahora tan de moda y en los que se analiza minuciosamente el desarrollo de crímenes populares o sin resolución. Daniela Feixas da de esta forma a su propuesta un enfoque actual para explicarnos la vida y los misterios en un pueblo de montaña, en el que ha desaparecido un gato propiedad de la hija de uno de los vecinos. La investigación, llevada a cabo por la agente rural recientemente asignada a la localidad, mostrará la crudeza de la vida y de las relaciones familiares fuera de la gran ciudad.
Malamort nos sumerge en una atmósfera oscura y a veces irrespirable en la que no todo es lo que aparenta. Una pequeña localidad aislada en donde las creencias oscuras y la tradición tienen un peso muerto y, al mismo tiempo, un lugar al que acudir para buscar sosiego tras los golpes recibidos en la vida. Ambas situaciones se dan en la obra, todo ello entretejido con el miedo a lo desconocido y la muerte.
Feixas ha creado un texto oscuro que avanza a golpes y en el que al espectador le costará progresar en la intriga, hecho este que potencia el suspense de la representación. El relato se estructura a partir de la relación entre los cuatro únicos personajes de la obra, dos adultos, Marta Marco, la afectada agente rural que investigará las extrañas desapariciones acaecidas en la montaña y Josep Julien, que encarna al padre preocupado, en demasía, por la seguridad de la familia. Entre los actores más noveles, Abril Julien, que interpreta al personaje más rebelde de la obra y Marc Soler Rull, que da vida a su atribulado hermanastro.
Malamort es una obra más que para pensar, para sentir las emociones que guían las vidas de los protagonistas, e intentar comprender las motivaciones de cada uno de ellos, todo envuelto en una atmósfera de creencias oscuras y comportamientos opresivos que marcarán el trágico desarrollo de la trama. Un ejercicio de comprensión escénica que estará en la Sala Beckett hasta el próximo domingo 28 de julio.
«Malamort» se representa en la sala beckett del 26 de junio al 28 de julio de 2024.
Autora: Daniela Feixas Reparto: Abril Julien, Josep Julien, Marta Marco, Marc Soler Rull Escenografía: Anna Tantull Iluminación: Sylvia Kuchinow Vestuario: Bàrbara Glaenzel Sonido: Judit Farrés Coreografía y movimiento: Nuria Legarda Producción: Sala Beckett y el Grec 2024 Festival de Barcelona
Horario: de martes a sábado a las 20:00 horas y domingoa las 18:30 horas Precio: de 11 € a 22 € Duración: 1 hora y 20 minutos Idioma: español NOTA CULTURALIA: 7 —— Jorge Pisa
Hay obras de teatro que tienen algo que las hace especiales y que las convierte en un recuerdo que la memoria se encarga de proteger del paso del tiempo. Este es el caso de La llamada, que este mes de julio regresa al Poliorama en una gira que celebra sus 10 años de éxito escénico.
«Segovia. Campamento cristiano La Brújula. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción «Viviremos firmes en la fe». Hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda cómo le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo llamado Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston«.
Es posible que seáis uno de los 2.000.000 de personas que ya ha visto a lo largo de estos diez años La Llamada. Si es así sois unos afortunados o afortunadas, ya que seguro que habéis disfrutado de una trama sencilla que tan solo aspira a llegaros directamente al corazón. La Llamada sorprende casi desde el minuto uno, o al menos eso me pasó a mí, que por curiosidad profesional quise descubrir qué es lo que pasaba con este espectáculo romántico-musical del que la gente hablaba tanto y tan bien.
Los Javis (Javier Ambrossi y Javier Calvo) han creado una propuesta para todos los públicos que apela al sentido de la libertad en todos sus sentidos, la libertad de escoger, la libertad de amar e, incluso, la libertad para poder equivocarse en la vida, algo que por cierto hacemos todos mucho más a menudo de lo que estamos dispuestos a reconocer.
La historia se sitúa en un campamento de verano cristiano en el que las vidas de María, Susana y la hermana Milagros van a cambiar. Dios se está apareciendo a María para cantarle canciones de Whitney Houston, una llamada que a la joven le costará descifrar. Susana nota que poco a poco está perdiendo a su amiga de toda la vida, y la hermana Milagros comienza a ser consciente de que su elección en el pasado de hacerse monja no fue la mejor que podía haber tomado.
Ya veis que el asunto no es de poca monta, para lo cual los Javis han desarrollado una trama respetuosa, fresca, y resuelta en la que todos los personajes, incluida la Madre Bernarda, la responsable del campamento, podrán todo de su parte para que los retos vitales de las protagonistas lleguen a buen puerto.
Todo funciona a la perfección en La Llamada, desde las interpretaciones, el punch cómico y las situaciones, a veces algo alocadas, que los personajes tendrán que superar. Todo, además, con un acertado toque musical y un desvergonzado, en el buen sentido de la palabra, sentido del humor que recorre todo el espectáculo. Una delicia oír las versiones de las canciones de Whitney Houston, en la voz de Dios, esto es, Richard Collins-Moore, y una delicia, también, ver como el desarrollo de la trama hará evolucionar las formas de pensar y de hacer de los personajes.
Ya os digo, no me esperaba nada así, y os puedo asegurar que el público asistente, el teatro lleno o casi lleno, disfrutó desde el principio hasta el final del espectáculo místico-musical.
De las actuaciones poco puedo decir que no se extraiga de lo que ya he escrito. Las cuatro actrices, de la primera a la última, esto es Nerea Rodríguez, Angy Fernández, Marta Valverde, y Estrella Xtravaganza clavan sus personajes de forma natural dando una credibilidad cotidiana a una historia que se sale bastante de lo que podríamos considerar habitual, con una escenografía sencilla pero efectiva y una pequeña banda de música que provee a la obra de la base musical necesaria.
La Llamada es una cita obligatoria durante este mes de julio en el Poliorama que os permitirá disfrutar de una historia que recordaréis con una alegre sonrisa para siempre y que, seguro, os inyectará en las venas el pensamiento proactivo que todos y todas necesitamos para hacer frente a los retos vitales a los que nos vemos obligados a encarar día a día.
«La Llamada» se representa en el teatro Poliorama del 3 al 26 de julio de 2024.
Dirección y guión: Javier Ambrossi y Javier Calvo Reparto: Nerea Rodríguez, Angy Fernández, Marta Valverde, Estrella Xtravaganza, Richard Collins-Moore Escenografía y iluminación: David Mínguez Vestuario: Ana López Cobos Coreografía: Ana del Rey y Noemí Cabrera Regiduría: Alejandro Jaén
Horarios: de lunes a viernes alas 20:30 horas Precio: A a partir de 17€ Duración: 90 minutos Idioma: castellano NOTA CULTURALIA: 9 ——
Este tour guiado por París es una forma ideal para descubrir la capital francesa cuyo recorrido os llevará por lugares como el Pont Neuf, el Louvre, el Sena o Notre Dame.
El itinerario de este free tour en español por París comienza en el Hôtel de Ville en pleno corazón de la capital francesa. Desde allí, caminareis hasta la famosa catedral de Notre-Dame, sin duda el mejor lugar para empezar a conocer la ciudad de la luz.
En la la île de la Cité también veréis desde el exterior otros icónicos monumentos de París, como la Sainte-Chapelle, los edificios de La Conciergerie y del Palacio de Justicia y el Pont Neuf.
Siguiendo por la ribera del Sena, la guía os llevará por el Pont des Arts y os dirigirá hacia la explanada del Museo del Louvre para admirar la arquitectura exterior de este antiguo palacio, donde podrís conocer a algunos personajes ilustres, como el Rey Sol o Napoleón Bonaparte.
El recorrido continua por los hermosos jardines de las Tullerías, donde contemplareis el Arco del Triunfo del Carrusel. Además, la guía os rebelará algunas curiosidades sobre la Revolución Francesa y otros hitos que marcaron la historia de Francia.
Finalmente, tras dos horas y media, la ruta free tour finaliza cerca del Museo del Louvre.
Visita guiada Free tour por París
Precio: ● Los free tours no tienen un precio fijo. Cada persona valora la labor del guía y, al finalizar el tour, entrega el importe que considere a su voluntad en función de su satisfacción. Duración: 2h 45m. Idioma: La actividad se realiza en español Operador: Viaterra Tours (París) | Paris Paso A Paso Tours
Reservas: Web Civitatis ● Puedes reservar hasta 1 hora antes si quedan plazas Accesibilidad: Varía en función del itinerario escogido Mascotas: No permitidas
El Festival Grec irrumpe de pleno en la cadenciosa actividad estival de Barcelona, con un aire cultural y artístico que se mantendrá hasta finales del mes de julio. Una actividad que comenzamos a reseñar aquí con Macho grita y que continuamos con El Misantrop, de la compañía La Brutal.
«En 1666 Molière, abandonado por su mujer y enfermo, escribe la que seguramente será, junto con el Tartufo, su obra maestra, El misántropo, una crítica a la hipocresía y a los intereses individualistas de la sociedad de la época. Alceste, está enamorado de Célimène, una mujer expansiva y vital que se mueve como pez en el agua en los ambientes cortesanos. Sus grandes aptitudes sociales chocarán con la forma traumática que tiene Alceste de relacionarse con la hipocresía y la falta de valores de la sociedad. Por eso, reprochará a Célimène sus flirteos con otros hombres, y a sus amigos, su falta de sinceridad. Constantemente sentirá hacia el género humano una profunda desconfianza y un gran desprecio».
Pues ya lo veis, volvemos a los clásicos, siempre los clásicos, que nos hablan de la sociedad y las formas de vida actuales para hacer una crítica, a veces feroz, del comportamiento humano. Porque no nos engañemos, las formas cambian, las formas de vestir y la tecnología también, pero la base del comportamiento humano es siempre la misma.
David Selvas y Sergi Pompermayer reubican la trama de El misántropo en una discografía que está a punto de hacer aguas debido al carácter de Alceste, uno de los propietarios. Su trato con los demás, basado en la franqueza y en la falta de tacto social, están llevado a la discográfica El Misantrop a la quiebra. A partir de aquí, y de la voluntad de Alceste de mantener sus convicciones morales hasta sus últimas consecuencias, se originará el drama vital que es la clave de la obra de Molière.
La Brutal nos presenta una propuesta que pretende analizar la sociedad digital del siglo XXI a partir de un texto que nos muestran los usos sociales del XVIII. Y lo consigue con nota. El texto que mantiene una bella rima a lo largo de su desarrollo de la mano de Pablo Macho, se ha actualizado para soportar la realidad actual y para analizar cómo vivimos, o mejor dicho, como viven las nuevas generaciones en un contexto digital y postmoderno.
Y de esto que se traten temas como la hipocresía, la fidelidad, la gestión de los valores individuales en una sociedad líquida, la carga que representan las redes sociales o la adicción a las pantallas tan habitual hoy en día, cuando nuestras simples vidas suelen parecer grises si las comparamos con todo lo que pasa en las vísceras digitales.
La Brutal ha optado por un elenco no demasiado abultado en el que destacan claramente dos figuras. Pol López clava su papel de misántropo vencido por los hábitos de la modernidad. Seguramente una de las mejores interpretaciones de la edición del Grec de este año. A su lado Mireia Aixalà da vida a su pareja Célimène de una forma natural y creíble, demostrando de nuevo sus tablas sobre el escenario.
Por lo que respecta a la puesta en escena, El misantrop divide el escenario en dos secciones, una más escenográfica en la que se sitúa el interior de la discográfica, y una más minimalista y más cercana con el público, en la que se desarrolla la acción más participativa con los espectadores y en la que se rompe en varias ocasiones la cuarta pared escénica. Y como no podía ser de otra forma al ambientar la trama en el sí de una discográfica, la música juega un papel importante a la hora de expresar los estados de ánimo de los protagonistas con temas como Human Nature de Michael Jackson, Sweet DreamsEurythmics o Rocket Man de Elthon John.
El misantrop es una magnifica propuesta que regresará a Barcelona en diciembre con una temporada regular en el Teatre Lliure y nos hará reír, incluso de nosotros mismos, y reflexionar de cómo vivimos nuestras vidas en un mundo globalizado y digitalizado. Como veis una excelente sugerencia para transitar por las no tan cálidas, de momento, noches veraniegas y disfrutar al mismo tiempo del teatro bien hecho.
«El misantrop»se representa en el Teatre Grec los días 2 y 3 de julio de 2024.
Dirección: David Selvas Dramaturgia: Sergi Pompermayer, David Selvas Reparto: Pol Lopez, Mireia Aixalà, Alex Pereira, Norbert Martínez, David Menéndez, Júlia Genís, Laia Alsina, Albert Prat Versificador: Pablo Macho Escenografía: Alejandro Andujar Diseño de luces: Jaume Ventura Diseño de vestuario: Marta Pell Espacio sonoro y música: Paula Jornet, Adrià Jornet Audiovisuales: Mar Orfila Diseño de sonido: Efrén Bellostes
Vivimos en una época de recuerdos y de nostalgia en la que los conciertos-tributo son el pan nuestro de cada día. Los hay de todos tipos y condición, pero si te gusta Mecano tienes una cita obligada con Hija de la Luna, el mejor homenaje al conjunto musical de culto de los 80 de la mano de la cantante Robin Torres.
Ya sé que puede parecer tan solo un slogan publicitario, pero en este caso el marketing no engaña. Hija de la Luna es un merecido tributo a la música de Mecano basado en la gira más importante de la carrera del grupo: Descanso Dominical. Y la propuesta funciona. Robin Torres se convierte en Ana Torroja para hacer disfrutar a los espectadores de la gira más célebre de Mecano, con un formato y una producción que están a la altura de la empresa y que provocan la euforia del público desde el minuto uno.
Y para ello el ingrediente principal no es otro que los éxitos de Mecano, las canciones que forman parte de la memoria emocional de más de una generación y que con sus letras, cotidianas unas veces y líricas otras, han conseguido mantenerse en el recuerdo de aquellos y aquellas que llegaban a la madurez en las décadas de los 80 y 90. Y estaban todos sus grandes hits, o casi todos, porque debe ser muy difícil cantar todos los éxitos de Mecano en un solo concierto. Desde ‘Héroes de la Antártida’, tema con el que comenzó el espectáculo a ‘Me colé en una fiesta’; de ‘No es serio este cementerio’ a ‘Maquillaje’; de ‘Barco a Venus’ a ‘Hoy no me puedo levantar’ y siguiendo por éxitos como ‘Perdido en mi habitación’, ‘Aire’, ‘Cruz de navajas’, ‘La fuerza del destino’, ‘Mujer contra mujer’, ‘Hijo de la Luna’ o’ Me cuesta tanto olvidarte’. Como veis un magnífico repertorio del que Hija de la Luna sabe sacar partido.
Y no es solo la música de Mecano lo que funciona, sino la actuación de Robin Torres. La cantante sevillana, que se dio a conocer al amplio público en el programa La Voz (2015), se apodera rápidamente con su look a lo Torroja del escenario y del ánimo del público. Y todo, desde la actitud de la cantante, las coreografías, hasta la simpatía y el positivismo que irradian sus reflexiones, hacen que se haga la magia sobre el escenario. Además la cantante interactuó constantemente con el público, haciéndole participar en el espectáculo y provocando que la platea vibrase aún más al son los grandes éxitos de Mecano.
Ya veis, Hija de la Luna es, como os decía, una magnífica ocasión para revivir los temazos que disfrutasteis en su momento con Mecano, por no hablar de todos esos recuerdos que la voz y la magia de Robin Torres conseguirán evocar en cada uno o cada una de vosotras. Si eres un fan de Mecano Hija de la Luna no se te puede escapar…
Gira Hija de la Luna 2024
Hija de la Luna tiene programada este año una gira que la llevará por diversas ciudades españolas. Aquí tenéis algunas de las fechas:
Concierto-tributo: Hija de la Luna (Robin Torres) Espacio: Teatro Coliseum Fecha: 29 de junio a las 22:15 horas
Voz: Robin Torres Teclado, guitarras y coros: Antonio Villalba, Patricio Olmedo y Emilio Villalba Bajo eléctrico: Paco Álvarez Batería: Lucas Hidalgo NOTA CULTURALIA: 9 ——
El Palau Martorell acoge, por primera vez, una exposición que no se centra en un único artista, sino en toda una cultura. Se trata de Japón, cuya rica historia y tradiciones han despertado el interés de Occidente durante siglos. Tanto su elegancia, sutileza y belleza como su dureza, sacrificio y disciplina, se reflejan en las figuras de las geishas y los samuráis.
A través de una selección de más de 200 obras, el fantástico mundo flotante del ukiyo-e aterriza en el Palau Martorell, un verdadero viaje para descubrir la atmósfera elegante y refinada del país nipón.
Además de estar presentes los artistas japoneses más prestigiosos del siglo XIX, la exposición ofrece un panorama completo sobre la vida japonesa de la época a través de la exhibición de armaduras de samuráis, kimonos, objetos y fotografías.
El recorrido desarrollado a través de siete secciones serpentea entre el persuasivo mundo femenino de las geishas y la leyenda de los fieles guerreros samuráis. El mundo cultural queda inmortalizado en los retratos de actores y en las escenas del teatro nō y kabuki, y el mundo de la naturaleza se idealiza mediante la pintura de flores, pájaros y paisajes.
Los ukiyo-e son técnicamente xilografías, un procedimiento de impresión en relieve de origen chino que se remonta al periodo Han (206 – 220 d.C.). Es probable que se introdujera en Japón en torno al siglo VII d. C. A diferencia de Occidente, donde el grabado suele ser fruto de un artista individual, las xilografías japonesas se caracterizan por el trabajo coordinado de varias personas. Esta tipología editorial contribuyó a su difusión.
Las ukiyo-e se difundieron, en el ámbito de la cultura del periodo Edo (1603-1868), primero en versión sumi, solo en negro; luego a principios del siglo XVIII como estampas sumi coloreadas a mano, primero en rojo y naranja y luego en verde, amarillo y rosa. Finalmente, hacia mediados del siglo XVIII, como nishiki-e, literalmente ‘estampas brocado’, totalmente en color.
Cuando una obra era un éxito de ventas se reeditaba. Al final del periodo Meiji, las copias de las obras más populares de los maestros del pasado fueron reproducidas por otros artistas, utilizando las mismas técnicas y conservando sus atmósferas originales. Posteriormente, con la apertura al mercado exterior, estos ejemplares, reproducidos en masa, perdieron su encanto, resultaban fríos y estáticos.
Es interesante subrayar que los grabados de ukiyo-e también se utilizaron para embellecer objetos cotidianos, como abanicos, tapetes, juegos para niños y demás enseres, algo que pone de manifiesto la popularidad de este arte.
Exposición: Geisha Samurai, Memòries del Japó Espacio: Palau Martorell (Carrer Ample, 11, Barcelona) Fechas: del 10 de mayo al 8 de septiembre de 2024 Precio entradas: 14€ Compra entrada: Web Palau Martorell
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